Acid Jazz

L'acid jazz est un style musical né au milieu des années 80 sur la scène londonienne. Il s'agit d'un style de jazz, mêlé d'influences soul, funk, disco et hip-hop (on peut d'ailleurs y retrouver parfois du rap).

Ce style est connu sous de nombreux noms: club jazz, jazz-funk, néo soul ou jazz rap. Les principaux artistes britanniques connus dans ce style sont Incognito, Jamiroquai, Us3, Stero MC's et Brand New Heavies, aux Etats-Unis on connait des artistes comme le rappeur Guru, ou Buckshot LeFonque, un groupe créé par Branford Marsalis.

J'ai choisi de confondre ce style avec le smooth jazz, sorte de jazz mélodique qui lui est très proche puisqu'il mélange des influences soul, funk et pop, et qu'il laisse un grand rôle à la guitare. Les principaux représentants du genre smooth jazz sont: Candy Dulfer (photo ci-dessus), Ronny Jordan, David Benoît ou Fourplay.

Le style a connu son plein essor à la fin des années 80, jusqu'à la fin des années 90, notamment grâce à l'essor de l'internet, certains des artistes acid jazz se faisant connaître grâce au site mp3.com. Ensuite, il a un peu périclité, largement remplacé par la dance et par le lounge (quand le rythme est plus lent).

J'ai souhaité redonner ses lettres de noblesse à ce genre qui est un peu tombé dans l'oubli, car il fournit son lot de pépites, de la part d'artistes pour la plupart totalement méconnus, même si on peut considérer, à juste titre, que les morceaux de ce genre sont d'une qualité très inégale.

A côté de la sélection de mes albums favoris, je vous ai concocté une playlist composée de 50 titres (durée 4h30 environ) appelée "Compilation Acid Jazz" disponible sur les principales plateformes de streaming.

Qobuz: https://open.qobuz.com/playlist/13489999

Spotify: https://open.spotify.com/playlist/3qEdtO3TLkl2P6N7JSBS77?si=3e4baeca74034ab5

Apple Music: https://music.apple.com/fr/playlist/compilation-acid-jazz/pl.u-KVXBkAPILPNER2

Deezer: https://deezer.page.link/hJZ4oCuSHFpPxFkq5

Voici ma sélection; les albums sont classés par ordre chronologique.

1963 - Wes Montgomery - Boss Guitar

Wes Montgomery est un guitariste de jazz américain des années 50 et 60. Si j'ai choisi de commencer par cet artiste, c'est qu'il est considéré comme un fondateur du smooth jazz, même si à l'époque le style en tant que tel n'existe pas encore. Wes Montgomery par son utilisation de la guitare dans le jazz en signe les prémices.

J'ai sélectionné l'album "Boss Guitar" de 1963 et le morceau "Days of Wine and Roses".

1979 - The Crusaders - Street Life

The Crusaders est un groupe de jazz américain. Initialement appelés "The Jazz Crusaders", ils changent de nom en 1971 et commencent une carrière dans un style jazz-funk plus grand public.

On peut considérer qu'il s'agit d'un des premiers groupes à faire du smooth jazz. En 1979, sur l'album "Street Life", ils sortent le premier tube de ce style musical qui mélange habilement le jazz, la soul et le funk, il s'agit du morceau éponyme "Street Life".

Voici une très belle version, live à Montreux en 2003, avec la magnifique voix de Randy Crawford.

1991 - George Benson - Midnight Moods, the love collection

George Benson est le musicien protéiforme typique, puisqu'il est initialement un guitariste de jazz, mais cela ne l'empêche pas de faire des incursions fréquentes dans la soul, le funk et la pop, avec des titres comme "Give me the night", "Nature Boy", "Love x Love" ou "On Broadway".

Mais, le titre qui me semble être complètement annonciateur de l'acid jazz est sans conteste "Breezin'".

Le morceau date de 1976, mais j'ai plutôt sélectionné la compilation "Midnight Moods" de 1991, qui vous livre tous les tubes jazz/funk/soul de l'artiste.

1991 - Fourplay - Fourplay

"Fourplay" est un supergroupe américain de smooth jazz composé de Bob James (claviers), Chuck Loeb (guitare), Nathan East (basse) et Harvey Mason (batterie). 

Lee Ritenour a été le guitariste du groupe de 1990 à 1998, avant d'être remplacé par Larry Carlton, qui lui-même céda sa place à Chuck Loeb en 2010.

C'est à mon avis, par la qualité des instrumentistes, un des meilleurs groupes de smooth jazz. 

Pour en juger, je vous propose ce qui pour moi est un des sommets du genre, le morceau "Bali Run", extrait du premier album du groupe au titre éponyme, interprété live lors du Java Jazz Festival de 2011.

Voici une autre perle du groupe, le titre "Max-O-Man" Live in Tokyo avec le New Japan Philharmonic Orchestra en 2013.

1992 - Stereo MC's - Connected

Stereo MC's est groupe britannique qui représente le versant Hip-Hop de l'Acid Jazz. Il est fondé à Londres en 1985, mais c'est surtout en 1992, avec la sortie de l'album "Connected" qu'ils acquièrent une réputation mondiale.

Voici le tube "Connected" présenté dans l'émission britannique "Top of the Pops".

Et l'autre tube de l'album: "Step it up", donné dans la même émission.

1992 - Ronny Jordan - The Antidote

Ronny Jordan est un guitariste britannique emblématique de l'Acid Jazz. C'est probablement lui qui a le plus fait pour faire connaître l'Acid Jazz en publiant en 1992 son album "The Antidote".

Sa reprise du titre "So What" de Miles Davis à la sauce "acid jazz" a rencontré un très grand succès international.

Un autre morceau phare de l'album est "Get to Grips", qui représente une fusion extrêmement réussie entre le Jazz et le Hip-Hop.

1992 - Incognito - Tribes, Vibes and Scribes

Incognito est un groupe britannique d'acid jazz fondé en 1981 à Londres par Jean-Paul Maunick, alias Bluey, et Paul Tubbs Williams. Leur premier album, "Jazz Funk", sera le seul enregistré dans les années 1980.

À partir de 1991, le groupe va enregistrer pas moins de 21 albums, dont le dernier, "Tomorrow's New Dream", est sorti en 2019.

A mon avis, leur meilleur album est "Tribes, Vibes and Scribes", sorti en 1992. Il fait connaître le groupe en particulier avec la reprise du morceau de Stevie Wonder "Don't you worry 'bout a thing". En entendant ce morceau on comprend que le groupe est très influencé par la soul music.

Voici le morceau "Colibri", typique de l'acid jazz.

1998 - Candy Dulfer - The Best Of

Candy Dulfer est une chanteuse et saxophoniste néerlandaise et c'est une icône de l'acid jazz/smooth jazz.

Elle a été principalement révélée par sa collaboration avec Prince sur la bande originale du film Batman et sa présence dans le clip de la chanson "Partyman". Elle a collaborée avec des artistes comme Madonna, Aretha Franklin, Blondie et même Pink Floyd.

Elle s'est également fait connaître par sa collaboration avec le guitariste du groupe Eurythmics, Dave Stewart, sur le morceau "Lily was here".

J'ai sélectionné sa compilation "The Best Of" qui fournit ses principaux tubes.

Voici une version live de "Lily was here", Candy Dulfer est en duo avec Dave Stewart.

Un autre grand succès de la saxophoniste est la reprise du "Pick up the Pieces" de l'Average White Band. On admirera la grande virtuosité de l'artiste dans cette version live de 2008. Elle enchaîne avec son morceau "Sax-a-Go-Go".

1999 - Blue Vinyl Lounge - Invisible Girl

Je passe à présent à des artistes peu ou pas connus du tout, mais qui nous ont quand même livré quelques pépites du genre.

Par exemple, voici un groupe de Melbourne appelé "Blue Vinyl Lounge" dont je ne connais pas grand chose (même pas le nom de la chanteuse), qui a sorti un seul album en 1999 intitulé "Invisible Girl". Je vous propose d'écouter le titre éponyme. Je trouve que la chanteuse a une très belle voix, c'est peut-être elle l'"Invisible Girl"!

2000 - St Germain - Tourist

St Germain est, lui, plus connu. De son vrai nom "Ludovic Navarre", il s'agit d'un DJ qui se produit sous différents pseudonymes, celui-ci ayant été choisi parce qu'il est né à Saint-Germain-en-Laye.

Il a sorti 3 albums sous ce nom, mais il est l'auteur de nombreux EP's et a fait de nombreuses collaborations avec d'autres artistes. 

En 2000, il rejoint le label de jazz Blue Note Records pour lequel il réalise l'album "Tourist". L'album se vend à 3 millions d'exemplaires dans le monde, dont 800 000 en France. En 2001, il est lauréat des Victoires du Jazz en tant que Révélation Jazz de l'année.

Voici le morceau "Rose Rouge" dans un live à Nulle Part Ailleurs.

2001 - Llorca - New Comer

Ludovic Llorca est un compositeur de musique électronique français, influencé par les styles soul, funk et disco. Il a sorti 3 albums, mais continue de travailler sur des remix sous d'autres noms.

En 2001, il sort l'album "New Comer" qui est un succès critique et commercial, et qui se vend à 170000 exemplaires.

Voici le morceau "My Precious Thing", un morceau groove avec la présence de la voix chaude de la chanteuse Lady Bird.

2001 - Joe Fuentes - Good Cup Of Joe

J'ai trouvé peu d'information sur le guitariste Joe Fuentes. Personnellement, je l'ai découvert lorsqu'il publiait en 1999 les morceaux de son album "Joe Fuentes goes mp3" sur le site mp3.com. A ma connaissance, il a sorti 4 albums.

J'ai sélectionné son album le plus connu "Good Cup of Joe", et le morceau "Brew Ha Ha".

2001 - Koop - Waltz for Koop

Koop est un duo suédois de jazz électronique. Le groupe, formé de Magnus Zingmark et Oscar Simonsson, a réalisé trois albums et a participé à de nombreux remix dont un remix de "Here's That Rainy Day" d'Astrud Gilberto pour l'album "Verve Remixed".

Mon morceau préféré figure sur l'album "Waltz for Koop", il s'agit de "Summer Sun". C'est leur premier album à entrer dans le classement américain du Billboard magazine, atteignant la dix-septième place des Top Electronic Albums. 

La chanson est interprétée par la chanteuse suédoise Yukimi Nagano, qui n'avait que 19 ans quand l'album a été enregistré. C'est elle que l'on voit dans le clip, on peut apprécier la qualité de sa voix jazzy, et celle du choix des instruments de musique tels le vibraphone et les congas.

2002 - Smokin' with Superman - Full Price

Smokin' with Superman est encore une belle surprise que nous réserve l'exploration de l'acid jazz. Il s'agit d'un groupe de jazz aux influences multiples qui, à ma connaissance, n'a sorti qu'un seul album, mais il s'agit d'une véritable pépite.

Les solistes du groupe sont le rappeur Mr Parker et la chanteuse Joy Dragland.

J'ai sélectionné 3 morceaux de cet excellent album.

Voici tout d'abord "Morning Sun", un titre dominé par le grave des cuivres et la belle voix de Joy Dragland, suivi d'un solo de rap par Mr Parker.

Continuons avec "Around the Corner (E Funk)". La partie de basse est démente et le titre est funky à souhait.

On termine avec le morceau "Dance MF", où la chanteuse se lâche bien!

2009 - Marc Moulin - Boxof

Marc Moulin, né le 16 août 1942 et mort le 26 septembre 2008, est un pianiste, compositeur, animateur et producteur radio, humoriste, chroniqueur et touche-à-tout belge.

Il a créé le groupe de musique électronique Telex et le groupe de jazz fusion Placebo (à ne pas confondre avec le groupe de rock alternatif britannique de même nom), mais ici on s'intéresse surtout à ses albums solo. 

Génie protéiforme, la musique de Marc Moulin est assez inclassable, même si l'on peut considérer qu'il subit des influences jazz, funk et soul qui peuvent placer sa musique dans la mouvance acid jazz.

J'ai sélectionné sa compilation boxof (qui fait office de "best of", elle apparaît d'ailleurs parfois sous ce titre), qui est un triple album.

Voici le morceau "Music is my husband". Un morceau à la rythmique entêtante. L'excellente chanteuse est Christa Jérôme, également belge.

Enfin, j'ai sélectionné le titre "Into the Dark", un morceau très syncopé. La trompette de Bert Joris m'évoque Miles Davis.

2010 - Acid Cool - Over me

On ne trouve pas grand chose à propos du groupe Acid Cool. "Over me", paru en 2010, semble être le seul album du groupe. 

Il s'agit d'un groupe russe composé de Boris Majorov à la basse, Alexander Potapov à la batterie, Dmitry Semenov au saxophone ténor et Misha "Tot" Tebenkov à la trompette, claviers, chœurs et production. La chanteuse est Mehmet Hilmi Dural, dite Mimi.

Voici le superbe titre "It's you again".

2013 - Dave Koz - Summer Horns

On retourne à des artistes plus connus avec Dave Koz. De son vrai nom, David Stephen Koz, Dave Koz est né le 27 mars 1963. C'est un saxophoniste américain de smooth jazz, compositeur, producteur de disques et animateur radio basé en Californie .

Dave Koz adore les collaborations, il a en outre sorti une vingtaine d'albums solo depuis 1987, qui marque le début de sa carrière.

L'album que j'ai sélectionné, "Summer Horns", a été la 19ème meilleure vente d'albums jazz aux Etats-Unis en 2014. Il s'agit d'un album de reprises. Dave Koz y est associé à 3 autres saxophonistes: Mindi Abair, Gerard Albright et Richard Elliot.

Voici ma première sélection, une reprise phénoménale du Take Five de Paul Desmond (classiquement interprété par le Dave Brubeck Quartet).

J'ai également choisi cette fabuleuse version de "I Feel Good" de James Brown, en live.

2019 - Brand New Heavies - TBNH

On termine cette sélection avec le groupe "Brand New Heavies", un des groupes phare de l'acid jazz.

Brand New Heavies (BNH) est un groupe britannique d'acid jazz et de funk, formé en 1985 dans Ealing, une banlieue de Londres. À l’origine, un groupe instrumental de rare groove, BNH acquiert une grande réputation sur les scènes des clubs londoniens et signe très vite pour Cooltempo au moment où l’acid house remplace le rare groove dans les clubs.

Les membres principaux du groupe sont Jan Kincaid, Simon Bartholomew et Andrew Levy.

Ils ont actuellement une discographie de 16 albums. "TBNH" est leur dernier album, paru en 2019, et c'est une vraie pépite.

Voici, pour commencer, le morceau "The Funk is back", un morceau bien chaloupé et bien groove comme son titre l'indique.

On termine avec l'excellent "Getaway" et la voix chaleureuse d'Angela Ricci.

Hahn (Reynaldo)

 

Reynaldo Hahn

Reynaldo Hahn, né le 9 août 1874 à Caracas et mort le 28 janvier 1947 à Paris, est un compositeur, chef d'orchestre, chanteur et critique musical français d'origine vénézuélienne.

Reynaldo Hahn est né d’un père issu de la bourgeoisie juive de Hambourg et d’une mère vénézuélienne. La famille s’installe à Paris en 1878, alors que Reynaldo a trois ans, et fréquente les milieux les plus en vue de la capitale. Très rapidement, l’enfant montre des dons musicaux hors du commun et compose quelques-unes de ses mélodies les plus célèbres avant même sa quinzième année. 

Élève de Théodore Dubois et surtout de Jules Massenet, il est tôt remarqué par ce dernier dont il restera l’un des disciples favoris.

Dans les salons parisiens les plus huppés (chez la princesse Mathilde, la comtesse de Guerne ou chez Madeleine Lemaire), Reynaldo Hahn chante ses mélodies en s'accompagnant au piano. Il s'illustrera brillamment dans ce genre musical durant la première partie de sa vie. Il rencontre de grands noms comme Stéphane Mallarmé ou Edmond de Goncourt. 

Chez Madeleine Lemaire, en 1894, alors qu'il est invité pour chanter "Les Chansons grises", il fait la connaissance de Marcel Proust dont il devient l'ami, et l'amant, jusqu'en 1896. Il entretiendra une amitié avec l'écrivain jusqu'à la mort de celui-ci.

Ses œuvres sont régulièrement exécutées, tels les opéras "L’Île du rêve" (1898), "La Carmélite" (1902), le ballet "La Fête chez Thérèse" (1907), créés à l’Opéra-Comique, ou l’oratorio "Prométhée triomphant" donné en 1908 aux Concerts Lamoureux. 

Naturalisé français en 1907, Reynaldo Hahn est mobilisé en 1914 ; les années qu’il passe au front le marqueront profondément, même si son désarroi n’apparaît qu’en filigrane dans la musique qu’il écrit durant ce temps d’épreuves. 

Durant la période de l’entre-deux guerres il compose plusieurs œuvres symphoniques, de la musique de chambre, l’opérette "Ciboulette", qui remporte un triomphe en 1923, collabore avec Sacha Guitry pour les comédies musicales "Mozart" et "Ô mon bel inconnu", et fait représenter en 1935, au Palais Garnier, l’opéra "Le Marchand de Venise". 

Parallèlement à son activité de compositeur, il poursuit une carrière de chef d’orchestre et dirige à l’Opéra de Paris ainsi qu’au Casino de Cannes  dont il élève singulièrement le niveau des représentations. 

Il fut directeur de l'orchestre du Casino de Deauville de 1925 à 1929, une rue de Deauville porte d'ailleurs son nom.

Les origines juives de Reynaldo Hahn le contraignent à quitter Paris en 1941 pour s’installer à Toulon, puis à Monte-Carlo. De retour dans la capitale en février 1945, il est élu membre de l’Institut, puis nommé directeur du Théâtre National de l’Opéra où il conduit notamment des représentations de quelques opéras de Mozart dont il est depuis longtemps un fervent interprète. 

Gravement atteint dans sa santé, il meurt à Paris, le 28 janvier 1947.

Il est caricatural de ne considérer Reynaldo Hahn que comme le compositeur de quelques mélodies célèbres et d’une opérette à succès intitulée "Ciboulette". L'appellation qui lui colle à la peau de "compositeur de la Belle Epoque" est très réductrice. 

Hahn est bien davantage que tout cela, et une écoute approfondie de son oeuvre révèle des trésors cachés et une grande profondeur. Auteur caméléon, il est à l’écoute d’une période qui connut les bouleversements esthétiques peut-être les plus radicaux de l’histoire de la musique.

Reynaldo Hahn laisse environ 150 œuvres musicales dans tous les genres. Je vous ai concocté une petite anthologie en 10 œuvres que j'ai classées chronologiquement.

1892 - L'Heure exquise, extraite du cycle Les Chansons Grises

"Les Chansons grises" constituent le premier des sept cycles importants de mélodies de Reynaldo Hahn. Elles tiennent une place remarquable dans la production musicale de ce compositeur : tout en réunissant de façon cohérente sur le plan littéraire sept poèmes de Paul Verlaine n’appartenant pas à un même recueil, elles s’illustrent par une unité musicale prouvant la maturité artistique et la maîtrise technique d’un jeune compositeur âgé seulement de dix-sept ans. 

C'est en interprétant "Les Chansons grises" chez Mme Lemaire au printemps 1894, que Reynaldo Hahn fait la connaissance de Marcel Proust qui était aussi invité à cette réception musicale.

J'ai sélectionné pour commencer cette anthologie une des mélodies les plus célèbres de Hahn, "L'heure exquise". Cette mélodie, initialement pour voix et piano, est souvent interprétée par un instrument soliste et le piano. En l'occurrence, j'ai choisi une version pour violon et piano interprétée par Maria et Nathalia Milstein. 

Cette pièce est extraite d'un album intitulé "La Sonate de Vinteuil", du nom d'un compositeur imaginaire, inventé par Marcel Proust dans son cycle de romans "A la recherche du temps perdu". "La Sonate de Vinteuil" représente une énigme car on ne sait toujours pas avec exactitude quelle oeuvre a servi de modèle à Proust, si tant est que Proust se soit inspiré d'une (ou de plusieurs) œuvres existantes.

Voici, pour commencer, "L'Heure exquise" interprétée par Maria Milstein au violon et Nathalia Milstein au piano.

Et, comme la version originale est pour voix et piano, je ne pouvais manquer de vous la faire écouter ainsi. Voici l'interprétation d'Héloïse Koempgen-Bramy (soprano) et Gilles Nicolas (piano).

1898 - L'Ile du rêve

Les opéras trop brefs de la fin du XIXème siècle sont complètement passés à la trappe. Mais, grâce au Palazzetto Bru Zane qui s'intéresse à la musique française romantique de la fin du XIXème siècle, on peut enfin redécouvrir cette pépite composée par Reynaldo Hahn alors que celui-ci n'a que 24 ans.

Hahn écrit cet opéra inspiré du "Mariage de Loti" de Pierre Loti, sur un livret de Georges Hartmann et André Alexandre. Il s'agit d'une oeuvre romantique sur un sujet exotique: les amours malheureuses d'une jeune tahitienne (Mahénu) avec un militaire français (Georges de Kerven, dit Loti). Il s'agit d'un sujet très à la mode à l'époque et qui a donné d'autres œuvres fameuses telles que Madame Butterfly de Puccini ou Lakmé de Delibes. 

L'opéra est en trois actes et dure une heure environ. On notera que le troisième acte fut composé durant l'été à Villers-sur-Mer où il séjourna en 1892.

L'album publié par le Palazzetto Bru Zane est dirigé par un habitué des réalisations de cet éditeur, il s'agit d'Hervé Niquet. Il est à la tête du Münchner Rundfunkorchester. On remarque dans la distribution Hélène Guilmette dans le rôle de Mahénu et Cyrille Dubois (le merveilleux interprète des mélodies de Fauré) dans le rôle de Loti.

Je vous ai sélectionné trois extraits qui montrent la belle maîtrise de Hahn en ce qui concerne les couleurs de l'orchestre et l'utilisation des voix.

Acte 1: O pays de Bora-Bora.

 Acte 3: Prélude et Chœur. Tihi 'ura teie.

Acte 3: Non, Mahénu ...

1905 - Pavane d'Angelo

S'il est un domaine où Reynaldo Hahn a donné la pleine mesure de son talent et de son exquise sensibilité, c'est bien la musique pour piano. C'est là que l'on retrouve à mon avis les pièces intimistes les plus profondes et les plus originales, et même si l'on sent parfois l'influence de Chopin, le style de Hahn reste très personnel. Il faut également reconnaître l'extrême précocité du compositeur puisqu'il écrit ses premières pièces dès l'âge de huit ans.

J'ai sélectionné ce merveilleux coffret interprété par Alessandro Deljavan qui nous livre, en 4 CDs, l'intégrale de la musique pour piano de Hahn.

La première pièce que j'ai sélectionnée est une Pavane composée en 1905 et dédiée à son amie Sarah Bernhardt à l'occasion de la reprise de la pièce de Victor Hugo "Angelo, tyran de Padoue". Il s'agit pour moi du plus beau morceau pianistique de Hahn par sa délicatesse et son côté archaïsant.

En 1915, Hahn réalise "Les jeunes lauriers", une marche enjouée qui rappelle Schubert. Elle est donnée aux bénéfice des soldats du 31ème régiment d'infanterie pendant la première guerre mondiale.

Hahn a également composé de nombreuses valses. Voici "Ninette" qui fait partie des "Premières Valses" composées en 1898. Une courte pièce qui déborde de dynamisme.

Composé en 1912, le cycle "Le Rossignol éperdu" est certainement l'oeuvre pianistique la plus ambitieuse et la plus personnelle de Hahn. Le cycle comprend 53 poèmes distribués en quatre parties intitulées respectivement: Série I, Orient, Carnet de Voyage et Versailles. Il s'agit d'une sorte de journal intime en musique dans lequel Hahn se livre tout entier et partage ses souvenirs de voyage, son émotion devant la nature et son amour pour la France.

J'ai choisi le morceau qui se trouve dans la série "Orient" et qui s'intitule "Rêverie nocturne sur le Bosphore" qui évoque les paysages que l'on voit depuis Istanbul.

On termine avec un morceau extrait des "Portraits de Peintre". Composé en 1894, ce cycle de 4 pièces illustre 4 peintres et était supposé accompagner des poèmes de Marcel Proust. Hahn aime tous les arts, et en particulier la peinture. J'ai choisi le portrait d'Antoine Watteau où le piano du compositeur se fait chatoyant de couleurs.

1916 - À Chloris

La beauté éminemment française des mélodies de Reynaldo Hahn réside dans leur charme tempéré d’un esprit classique. On l’entend clairement dans "À Chloris" (1916), pastiche néo-baroque dans le style d’un air expressif, sur des paroles du poète du XVIIème siècle Théophile de Viau.

J'ai sélectionné la version interprétée par Véronique Gens (soprano) et Susan Manoff (piano). La distinction et la diction de Véronique Gens font merveille dans ce répertoire.

Une version au disque c'est bien, mais une version live c'est mieux, surtout quand la chanteuse est la lumineuse Lea Desandre. Voici donc une autre version du sublime "À Chloris".

Revenons à l'album de Véronique Gens, j'ai également choisi le morceau "Néère" extrait des "Etudes Latines" (1910) et qui donne son titre à l'album. Une pièce mélancolique tirée des "Poèmes antiques" de Leconte de Lisle.

On termine avec "Pholoé", toujours tiré des "Etudes Latines".

1922 - Quintette avec Piano

Composée entre 1917 et 1922, la partition est publiée l'année suivante par les éditions Heugel. L’œuvre est créée le 28 novembre 1922 à Paris, salle Gaveau, par les interprètes Magda Tagliaferro, Jules Boucherit, Jacques Gasselin, Oscar Englebert et Gérard Hekking à la Société philharmonique de Paris.

Le quintette est en trois mouvements :

• Molto agitato e con fuoco en fa dièse mineur, mouvement à "l'élégante franchise rythmique" ;
• Andante (non troppo lento) en mi majeur, mouvement à la "pénétrante mélancolie" ;
• Allegretto grazioso en fa dièse majeur, à deux temps (noté alla breve), mouvement plein de verve avec ses "rentrées ingénieusement ménagées et qui se termine en strette d'un dynamisme irrésistible".

J'ai sélectionné la version du Quatuor Tchalik et Dania Tchalik au piano. L'album nous permet d'entendre en outre les deux quatuors à cordes de Hahn.

Voici le premier mouvement du quintette dans une version live du Quatuor Tchalik et Dania Tchalik.

1923 - Ciboulette

Ciboulette est une opérette en trois actes, sur un livret de Robert de Flers et Francis de Croisset, créée le 7 avril 1923 au théâtre des Variétés à Paris.

Il s'agit sans doute de l'oeuvre lyrique la plus connue du compositeur, mais qui ne représente que le versant mondain de son auteur, ce qui a entraîné une vision déformée de celui-ci, car même s'il ne faut pas négliger cet aspect, comme on le voit cela n'est pas représentatif de toute l'oeuvre du compositeur.

Reynaldo Hahn avait un talent particulier pour trousser de jolies mélodies, il ne s'en prive pas dans cet opérette, dont voici l'argument:

En 1867 à Paris, une jeune maraîchère, Ciboulette, se fait prédire un magnifique mariage, mais la prédiction ne peut se réaliser que dans des circonstances farfelues. Elle rencontre un riche jeune homme, Antonin de Mourmelon. Elle le rencontre à nouveau, dans les circonstances décrites, mais Antonin la quitte pour une ancienne maîtresse, Zénobie. Présentée au compositeur Olivier Métra, Ciboulette devient ensuite une chanteuse vedette sous le nom de Conchita Ciboulero. Elle finit par épouser Antonin de Mourmelon.

J'ai sélectionné la version, disponible uniquement en Blu Ray et DVD, interprétée par Julie Fuchs dans le rôle de Ciboulette et dirigée par Laurence Equilbey.

Voici quelques extraits.

L'air "Moi, j'm'appelle Ciboulette" par Julie Fuchs.

Le duo "Nous avons fait un beau voyage" par Julie Fuchs et Jean-François Lapointe.

Le finale de l'opérette donné aux Chorégies d'Orange.

1927 - Concerto pour violon

S'il est une oeuvre de Reynaldo Hahn qui est restée méconnue, c'est bien ce concerto pour violon: il faut en effet attendre 2016 pour avoir le premier enregistrement mondial de cette oeuvre et quand on l'écoute cela semble assez incompréhensible. Il faudrait arrêter avec cet ostracisme et jouer plus souvent ce compositeur au concert!

Le concerto fut écrit vraisemblablement au cours des années 1926-1927 et dédié au violoniste Jules Boucherit. Il s'agit d'une oeuvre remarquable de solide facture aux superbes envolées.

Il est en 3 mouvements:

• Décidé: Le premier thème est volontaire, le second est interrogateur. Le développement fait appel à un thème jazzy avec une grande importance accordée aux cuivres.
• Chant d'amour - Souvenir de Tunis. Indiqué "Lent et calme", le mouvement est très tranquille.
• Lent (récitatif). Vif et Léger: le concerto se termine dans une atmosphère de fête.

Voici donc la version de ce concerto par Denis Clavier au violon, l'Orchestre Philharmonique de Lorraine est dirigé par Fernand Quattrocchi.

 

1931 - Concerto pour piano

Le concerto pour piano de Reynaldo Hahn n'est guère plus gâté, restant très rare au disque. Heureusement, il figure en bonne place dans ce joyau qu'est l'album de Shani Diluka, une pianiste française d'origine srilankaise. 

Intitulé "The Proust Album", il est, comme son nom l'indique, consacré aux compositeurs qui étaient appréciés par l'auteur de "A la recherche du temps perdu". 

On retrouve également dans cet album un superbe Nocturne, qui selon Shani Diluka, pourrait parfaitement être une illustration de la fameuse "sonate de Vinteuil".

Quant au concerto, il fait appel à une redoutable virtuosité et à une belle volubilité des harmonies. L'Orchestre de chambre de Paris, sous la direction d'Hervé Niquet nous livre une version qui fait honneur au tapis mordoré des sons voulus par Hahn.

Le concerto qui fut dédié à la pianiste Magda Tagliaferro est en trois mouvements:

1. Improvisation: Modéré très librement
2. Danse: Vif
3. Rêverie, Toccata et Finale: Lent – Gai, fortement rythme, pas trop vite – Allegro

Le voici interprété souverainement par Shani Diluka.

I. Improvisation.

II. Danse.

III. Rêverie, Toccata et Finale.

1933 - Ô mon bel inconnu

"Ô mon bel inconnu" est une comédie musicale donnée en 1933 pour la première fois au Théâtre des Bouffes-Parisiens à Paris composée par Reynaldo Hahn sur un livret de Sacha Guitry.

Voici un résumé de l'intrigue:

Dans une boutique de chapelier, Prosper Aubertin, honnête commerçant, vend des chapeaux, assisté de sa femme Antoinette, de sa fille Marie-Anne et de sa bonne Félicie. L'existence n'est pas bien drôle, parmi tous ces chapeaux... Aussi la famille Aubertin passe son temps à se disputer et à s'ennuyer. 

Le brave chapelier commence à rêver d'aventures: il fait paraître dans un journal une annonce : "Monsieur, célibataire, désire trouver âme sœur." 

Il reçoit cent cinquante réponses. Mais deux lettres lui arrachent des cris de surprise et d'indignation : elles sont l'une de l'écriture de sa femme, l'autre de celle de sa fille. Puis, il réfléchit et s'attendrit. 

Afin de les piéger il organise un séjour à Biarritz dans une belle villa où viennent sa femme, sa fille et sa bonne. Au final, la bonne échoit à M. Victor, le propriétaire de la villa. Celui-ci ramène la femme d'Aubertin dans le droit chemin. Quand à la fille de Mr Aubertin, on lui fera croire que c'est un charmant jeune homme, qui l'avait remarquée dans la boutique paternelle, qui lui a écrit à la poste les lettres qui l'ont fait rêver. Tout rentre dans l'ordre.

C'est à nouveau le Palazzetto Bru Zane qui nous permet d'entendre cette oeuvre dirigée par Samuel Jean, avec Véronique Gens dans le rôle d'Antoinette, Olivia Doray est Marie-Anne, Éléonore Pancrazi est Félicie et Thomas Dolié joue Prosper Aubertin.

Voici quelques extraits de cette oeuvre légère et comique.

Acte I: Ouverture.

Acte I: V. Duo. "Mais ! vous m'avez pincé le derrière !"

Acte II, Premier tableau: I. Entracte

Acte II, Second tableau: II. Trio. "Ô mon bel inconnu"

1944 - Concerto Provençal

On termine cette anthologie avec le Concerto provençal. C'est l’une des dernières œuvres de Reynaldo Hahn, qui a sans doute été composée autour de 1944. 

Il connaît une création radiophonique sur les ondes de la Radiodiffusion Française, le 30 juillet 1945, sous la direction d’André Girard ; la première exécution publique a lieu à Paris, le 7 avril 1946, sous la direction de Fernand Oubradous, qui en assure dans la foulée l’enregistrement pour les disques La Voix de son Maître. 

Il s’agit d’un concerto grosso faisant dialoguer un ensemble d’instruments à vent (flûte, clarinette, basson et cor) avec un orchestre à cordes, chacun de ses trois mouvements évoquant un arbre caractéristique de la Provence.

Les 3 mouvements sont:

1. Sous les platanes
2. Sous les pins
3. Sous les oliviers

J'ai sélectionné un album de l'Ensemble Initium qui nous offre un panorama complet de la musique pour orchestre de chambre de Reynaldo Hahn.

Voici le troisième mouvement du concerto provençal: "Sous les oliviers". Une pièce enjouée où les instruments à vent ont la vedette.

 

Musiques de Films

Etant donné mon amour pour le cinéma, j’ai souhaité consacrer un article aux musiques de films.

Parfois c’est un film que l’on a adoré qui nous fait aimer la musique associée, d’autres fois c’est une superbe musique qui porte le film. 

Enfin, il y a le cas idéal où se révèle une symbiose totale entre le film et la musique. La musique devient alors indissociable du film. Je pense d’ailleurs que dans ce cas les souvenirs que l’on a du film sont renforcés et embellis. 

Cet article traite donc de mes coups de cœur à la fois cinématographiques et musicaux.

Comme toujours, mes choix sont éminemment subjectifs, j'espère qu'ils vous séduiront.

J'ai classé les films par ordre chronologique, et je les ai choisi également en fonction de la qualité des extraits vidéo et audio sous Youtube.

 

Je vous ai également concocté une playlist.

 

Qobuz:

https://open.qobuz.com/playlist/14489131

 

Spotify:

https://open.spotify.com/playlist/062bBkGYWu69slBzFXUDMA?si=0d8943bd74064870

Apple Music:

https://music.apple.com/fr/playlist/musiques-de-films/pl.u-oZyl37gIG74glZ

Deezer:

https://deezer.page.link/A6ykHVq7VywwYJ8v6

 

Bonne écoute!

1963 - La Panthère Rose

La Panthère Rose est initialement un film de Blake Edwards. Une comédie policière loufoque avec Peter Sellers dans le rôle de l'inspecteur Clouseau, un policier maladroit capable des pires catastrophes.

Le thème musical d'Henry Mancini, dans une veine jazzy, reste indissociable de la série de films. A noter également que le personnage de Pinky la panthère a fait l'objet de plus de 150 épisodes en dessin animé, toujours accompagnés de ce thème entêtant et ludique.

Voici ce thème avec des extraits du film initial.

1968 - 2001 L'Odyssée de l'espace

Ce film est à jamais immortalisé par son générique, avec la fameuse introduction de "Also sprach Zarathustra" de Richard Strauss. 

Personnellement, j’ai commencé par lire le roman "2001, L’Odyssée de l’espace" d’Arthur C. Clarke, avant d’aller voir au cinéma le film de Stanley Kubrick. Bien m’en a pris, car même si j’adore ce film, il est très elliptique : il y a très peu de dialogues, et il est certainement très difficile de comprendre l’histoire si on n’a pas lu le livre. 

Pour moi ce film est très lié à sa bande son, Stanley Kubrick a préféré utiliser des morceaux existants de musique classique plutôt que de faire appel à un compositeur de musiques de films.

Mes passages musicaux préférés sont le passage du vol de la navette sur la musique du "Beau Danube bleu" de Johann Strauss, et la découverte du monolithe sur la lune avec le morceau de musique contemporaine "Lux Aeterna" de György Ligeti, qui donne à la scène un caractère particulièrement angoissant et mystérieux, à la limite du supportable.

Voici le passage utilisant le "Beau Danube bleu" de Johann Strauss où la beauté du paysage spatial s'allie à la beauté du thème musical.

1977 - La Guerre des Etoiles

En 1977 sort le film qui va devenir mon film de science-fiction préféré, et l’archétype du film de space opera: "Star Wars" ("La Guerre des Etoiles", en français).

Mais "Star Wars" ne serait plus "Star Wars" sans la musique de John Williams. Cette musique colle à la peau du film et lui en donne le rythme. 

De plus, John Williams a utilisé une astuce, inventée par Richard Wagner dans ses opéras : associer à chacun de ses personnages un thème musical. 

Aujourd’hui la saga "Star Wars" ne cesse de s’étendre, et les bandes originales des films avec elle. Néanmoins, je reste très attaché à la première trilogie. C’est certainement dû au fait que je l’ai découverte alors que j’étais adolescent. 

La musique originale correspond à celle de l’Episode IV intitulé "A new hope" ("Un nouvel espoir"). Mes morceaux préférés sont : le thème d’entrée, "The Dune Sea of Tatooine" (quand on voit les deux droïdes errer dans le désert), "Cantina Band" (la musique du bar de Mos Eisley), "Princess Leia’s Theme", "The Death Star", "The Throne Room" (lors de la remise des médailles dans la salle du trône). 

A ces thèmes, il faut en ajouter d’autres qui apparaissent dans l’Episode V "The Empire Strikes Back" ("L'Empire contre-attaque"): "The Imperial March (Darth Vader’s Theme)" et "Yoda’s Theme".

Enfin, dans l’Episode VI "Return of the Jedi" ("Le Retour du Jedi"), les morceaux sélectionnés sont: "The Battle of Endor" et "Victory Celebration".

Voici le thème principal de "La Guerre des Etoiles" interprété par John Williams lui-même à la tête de l'Orchestre Philharmonique de Vienne. Ce thème représente pour moi un des sommets de la musique de films du XXème siècle.

 

Voici "La marche impériale", également appelé "Thème de Dark Vador". On y voit tout ce que la musique de John Williams doit au compositeur Gustav Holst, en particulier le morceau "Mars qui apporte la guerre" dans "Les Planètes".

1981 - Excalibur

En 1981, John Boorman réalise le film "Excalibur" (du nom de l'épée du Roi Arthur) qui me semble être toujours à ce jour la meilleure version des aventures du Roi Arthur et des chevaliers de la table ronde.

Un passage du film qui me reste toujours en mémoire est l'utilisation de la musique des Carmina Burana de Carl Orff, en l’occurrence le morceau "O Fortuna". 

On notera au passage les excellentes versions des Carmina Burana d'Eugen Jochum et de Michel Plasson, qui dirige Natalie Dessay.

Voici une vidéo composée d'extraits du film sur la musique de Carl Orff.

1982 - Conan le Barbare

En 1982 sort le film "Conan Le Barbare" avec Arnold Schwarzenegger dans le rôle-titre. Il s’agit d’un film d’héroic fantasy librement inspiré des romans de Robert E. Howard. 

J’ai vu ce film à sa sortie, quand j’étais étudiant. J’ai toujours aimé l’histoire de ce guerrier barbare qui cherche à venger la mort de ses parents, et parviendra ainsi à devenir roi. Ce film a parfois été décrié, mais je trouve qu'il s'agit d'un des meilleurs films d'héroic fantasy, avant que Peter Jackson ne réalise ses chefs-d'oeuvre que sont "Le Seigneur des Anneaux" et "Le Hobbit".

La musique de Basil Poledouris, un peu dans le genre péplum à la Ben Hur, est particulièrement bien adaptée à l’ambiance du film et à l’histoire : elle a un côté grande épopée qui accroche le spectateur. Une grande réussite à l’époque qui reste toujours un coup de cœur pour moi.

Voici le morceau "Riddle of Steel / Riders of Doom" extrait de la BO du film. L'intervention des chœurs, qui est grandiose, fait un peu penser aux Carmina Burana de Carl Orff, et me donne toujours des frissons.

1983 - Flashdance

En 1983 sort le film musical "Flashdance" réalisé par Adrian Lyne avec Jennifer Beals dans le rôle d'Alex Owens, une jeune fille qui travaille comme soudeuse dans une usine durant la journée et qui danse dans un cabaret le soir afin de compléter ses revenus. Elle rêve de devenir une danseuse classique. L'aboutissement du film sera le passage d'une audition.

La bande originale du film s'est vendue à plus de 20 millions d'albums.

Lors de l'audition finale on peut entendre la chanson "What a feeling" interprétée par la regrettée Irène Cara (qui nous a quitté en Novembre 2022). On notera que pour toutes les scènes de danse, Jennifer Beals était doublée par Marine Jahan, une danseuse française, qui, si je me rappelle bien ne fut pas créditée au générique.  Les sauts ont été effectués par la gymnaste Sharon Shapiro, et c'est Crazy Legs, membre du groupe Rock Steady Crew — un homme — qui effectue le break dance pour la toupie au sol.

L'autre chanson du film qui a connu un grand succès est "Maniac" de Michael Sembello.

1985 - Retour vers le futur

En 1985 sort le premier film de la trilogie "Retour vers le futur", qui met en vedette Marty McFly et Doc qui vont se perdre dans les méandres du temps.

Tous ceux qui ont apprécié le film se rappellent de la scène d'introduction avec les horloges, quand Marty teste le nouvel ampli et le tube de Huey Lewis and the News "The Power of Love".

1986 - Top Gun

Le film Top Gun raconte l’histoire de jeunes pilotes d’avions de chasse. L’acteur principal est Tom Cruise. Le scénario est bien ficelé, les vues aériennes sont superbes, et la bande originale est dans toutes les mémoires avec, en particulier: "Danger Zone" de Kenny Loggins et "Take my Breath Away" de Berlin (un vrai thème d’amour). Un couplage parfait entre film et musique ! 

A noter que la suite "Top Gun Maverick", sortie en 2022, bat tous les records du Box Office, et c'est bien mérité.

Voici "Danger Zone" de Kenny Loggins avec des images du film.

1994 - Pulp Fiction

On arrive à 1994 avec le film que je considère comme le meilleur de Quentin Tarantino: "Pulp Fiction", un chef-d'oeuvre. En même temps, il contient la meilleure des bandes son, avec en prime une scène culte, celle du concours de twist avec Uma Thurman dans le rôle de Mia Wallace et John Travolta dans celui de Vincent Vega.

Anecdotes : 

• D’où vient le titre du film ? Il tient son nom des pulp magazines, type de revues très populaires dans la première moitié du XXe siècle aux États-Unis et connues pour leur violence graphique et leurs dialogues incisifs. C'est le faible coût des "pulps", en général 10 cents, qui leur vaut l'immense succès qu'ils rencontrent.
• D'autre part, il ne faut pas oublier que "Pulp Fiction" a reçu la palme d'or à Cannes 1994.

Le concours de twist chez Jack Rabbit Slim's se joue sur le titre "You Never Can Tell" de Chuck Berry.

1999 - Coup de foudre à Notting Hill

"Coup de foudre à Notting Hill" (titre original: "Notting Hill") est une comédie romantique avec Julia Roberts et Hugh Grant. 

C'est peut-être mon côté fleur bleue (lol), mais j'adore cette histoire d'un libraire du quartier de Notting Hill qui tombe amoureux d'une star de cinéma. 

La musique est romantique à souhait. Ecoutez "She" par Elvis Costello et "Ain't no sunshine" par Bill Withers. Comment ne pas craquer ?

Anecdote: Une partie du film se déroule à Portobello Road, une avenue du centre de Londres qui est célèbre pour son marché aux puces. Mark Knopfler et le groupe Dire Straits ont rendu hommage à cette avenue et à son quartier dans la belle chanson "Portobello Belle" sur l'album "Communiqué" (1979).

Voici la chanson "She" d'Elvis Costello avec des images du film.

2001 - Le Seigneur des Anneaux

J'ai déjà parlé à de nombreuses reprises de Tolkien dans ces pages. Moi qui suis un grand amateur d'héroic fantasy, je ne peux pas ignorer cette fabuleuse saga adaptée en film par le génial Peter Jackson.

Nombreux étaient ceux qui disaient que d'adapter "Le Seigneur des Anneaux" de Tolkien en film tenait de la gageure. Il y a même des studios de cinéma qui ont abandonné Peter Jackson en cours de route. 

Il faut se rappeler que les 3 films de la saga ont été filmés tous ensemble. La durée totale du projet a été de huit ans et le budget de 285 millions de dollars. Pour cette saga épique, il fallait une musique à la hauteur de l'audace du projet. 

La musique est signée Howard Shore et elle illustre parfaitement le film. Tout comme le faisait Richard Wagner dans ses opéras, Howard Shore a créé de nombreux leitmotivs associés aux principaux personnages, cultures et lieux, tels que les Hobbits, la Comté, Aragorn et Arwen. 

A noter, les interventions suivantes dans la musique du film:

• "May it be" interprété par Enya
• "Into the West" interprété par Annie Lennox
• "The End of All Things" interprété par la soprano Renée Fleming
• "The Black Gate Opens" et "The Grey Havens" interprétés par le célèbre flûtiste James Galway.

Howard Shore a reçu 2 Oscars de la meilleure musique de film: un pour "La Communauté de l'Anneau" et un pour "Le Retour du Roi". En 2011, Howard Shore a composé "The Lord of the Rings Symphony", dont les thèmes sont tirés de la musique du film.

On notera que pour le thème des Hobbits, il semble qu'Howard Shore s'est inspiré d'un thème de la "Celtic Symphony" de Sir Granville Bantock.

2001 - Ocean's Eleven

Ocean's Eleven est le premier volet d'une trilogie réalisée par Steven Soderbergh (composée de Ocean's Eleven, Ocean's Twelve et Ocean's Thirteen). 

Billy Ocean sort de prison, et pour se venger de celui qui lui a pris sa femme et qui dirige plusieurs casinos à Las Vegas, il va organiser un casse simultané des 3 casinos.

Il va se faire accompagner d'une bande composée de 11 personnes, ce qui donne le titre au film, qui peut se traduire littéralement par "Les onze d'Ocean". Les principaux acteurs sont George Clooney, Brad Pitt et Julia Roberts.

Le final du premier film utilise un tube de la musique classique, fréquemment utilisé au cinéma, il s'agit du morceau "Clair de Lune" de Claude Debussy. Voici ce superbe morceau dans la scène finale du film.

2006 - Da Vinci Code

Da Vinci Code est un film de Ron Howard adapté du roman à succès de Dan Brown. Ce roman est un best-seller vendu à plus de 86 millions d'exemplaires dans le monde.

Le film suit le personnage de Robert Langdon interprété par Tom Hanks, qui va mener une enquête et découvrir des signes dissimulés dans les œuvres de Léonard de Vinci. 

Tous les indices convergent vers une organisation religieuse aussi mystérieuse que puissante, prête à tout pour protéger un secret qui va déstabiliser toutes les croyances.

La musique du film est signée Hans Zimmer, un très célèbre compositeur de musiques de films.

Le sommet musical du film est la scène finale qui conduit Robert Langdon au Louvre (sachant que son enquête commence au Louvre, on peut dire que la boucle est bouclée). Le morceau utilisé s'intitule "Chevaliers de Sangreal". On appréciera au passage le génial crescendo.

2016 - La La Land

Moi qui ne suis pas très comédies musicales, j'ai été conquis par "La La Land", le film musical de Damien Chazelle, avec dans les rôles principaux Emma Stone et Ryan Gosling.

Je crois que cela est du aux deux acteurs principaux, mais surtout à la musique entêtante et rythmée de Justin Hurwitz. Les critiques ne s'y trompent pas puisque le film récolte 7 Golden Globes et 6 Oscars dont celui de la meilleure musique originale.

Sans vouloir spoiler la fin du film, j'ai toujours un pincement au cœur quand j'entends l'épilogue. Je n'en dis pas plus, et je vous laisse écouter cet "Épilogue", qui reprend les principaux thèmes du film, dans une version live.

2018 - A Star is born

"A Star is born" est le quatrième remake du film de William A. Wellman, "Une étoile est née", sorti en 1937.

Il est réalisé par Bradley Cooper, qui assure également l'un des rôles principaux aux côtés de Lady Gaga.

La bande originale du film est vraiment formidable, et notamment le morceau "Shallow" qui gagne, excusez du peu, le Golden Globe, l'Oscar et le Grammy Award 2019 de la meilleure chanson originale. Le film reçoit plus d'une soixantaine de distinctions.

Quand j'entends le duo "Shallow" entre Bradley Cooper et Lady Gaga, je ne peux pas m'empêcher de sentir une émotion très forte. Voici l'extrait du film correspondant.

2018 - Bohemian Rhapsody

Toujours en 2018, qui est décidément une très bonne année pour les films musicaux, sort le film de Bryan Singer "Bohemian Rhapsody" qui est un biopic sur le groupe Queen, et en particulier son charismatique chanteur Freddie Mercury, formidablement interprété par Rami Malek, qui subjugue par son côté caméléon et la façon dont il a chipé toutes les attitudes du chanteur.

Voici l'extrait du film qui retrace la formidable prestation de Freddie Mercury et Queen lors du Live Aid 1985. Rami Malek est bluffant, c'est vraiment un double du chanteur. La vidéo propose le film et le concert historique côte à côte.