Acid Jazz

L'acid jazz est un style musical né au milieu des années 80 sur la scène londonienne. Il s'agit d'un style de jazz, mêlé d'influences soul, funk, disco et hip-hop.

Ce style est connu sous de nombreux noms: club jazz, jazz-funk, néo soul ou jazz rap. Les principaux artistes britanniques connus dans ce style sont Incognito, Jamiroquai, Us3, Stereo MC's, Ronny Jordan et Brand New Heavies, aux Etats-Unis on connaît des artistes comme le rappeur Guru, ou Buckshot LeFonque, un groupe créé par Branford Marsalis.

J'ai choisi de fusionner ce style avec le smooth jazz, sorte de jazz mélodique qui lui est très proche puisqu'il mélange des influences soul, funk et pop, et qu'il laisse un grand rôle à la guitare. Les principaux représentants du genre smooth jazz sont: Candy Dulfer (photo ci-dessus), Joe Fuentes, David Benoît ou Fourplay.

Le style a connu son plein essor depuis la fin des années 80 jusqu'à la fin des années 90, notamment grâce au développement de l'internet, certains des artistes acid jazz se faisant connaître grâce au site mp3.com. Ensuite, il a un peu périclité, largement remplacé par la dance et par le lounge (quand le rythme est plus lent).

J'ai souhaité redonner ses lettres de noblesse à ce genre qui est un peu tombé dans l'oubli, car il fournit son lot de pépites, de la part d'artistes pour la plupart totalement méconnus, même si on peut considérer, à juste titre, que les morceaux de ce genre sont d'une qualité très inégale.

Tout d'abord, je vous ai concocté une playlist appelée "Compilation Acid Jazz" disponible sur les principales plateformes de streaming.

Qobuz: https://open.qobuz.com/playlist/13489999

Spotify: https://open.spotify.com/playlist/3qEdtO3TLkl2P6N7JSBS77?si=3e4baeca74034ab5

Apple Music: https://music.apple.com/fr/playlist/compilation-acid-jazz/pl.u-KVXBkAPILPNER2

Deezer: https://deezer.page.link/hJZ4oCuSHFpPxFkq5

Ensuite, voici ma sélection de mes albums préférés. Ils sont classés par ordre chronologique.

1963 - Wes Montgomery - Boss Guitar

Wes Montgomery est un guitariste de jazz américain des années 50 et 60. Si j'ai choisi de commencer par cet artiste, c'est qu'il est considéré comme un fondateur du smooth jazz, même si à l'époque le style en tant que tel n'existe pas encore. Wes Montgomery par son utilisation de la guitare dans le jazz en signe les prémices.

J'ai sélectionné l'album "Boss Guitar" de 1963 et le morceau "Days of Wine and Roses".

1979 - The Crusaders - Street Life

The Crusaders est un groupe de jazz américain. Initialement appelés "The Jazz Crusaders", ils changent de nom en 1971 et commencent une carrière dans un style jazz-funk plus grand public.

On peut considérer qu'il s'agit d'un des premiers groupes à faire du smooth jazz. En 1979, sur l'album "Street Life", ils sortent le premier tube de ce style musical qui mélange habilement le jazz, la soul et le funk, il s'agit du morceau éponyme "Street Life".

Voici une très belle version, live à Montreux en 2003, avec la magnifique voix de Randy Crawford.

1991 - George Benson - Midnight Moods, the love collection

George Benson est le musicien protéiforme typique, puisqu'il est initialement un guitariste de jazz, mais cela ne l'empêche pas de faire des incursions fréquentes dans la soul, le funk et la pop, avec des titres comme "Give me the night", "Nature Boy", "Love x Love" ou "On Broadway".

Mais, le titre qui me semble être complètement annonciateur de l'acid jazz est sans conteste "Breezin'".

Le morceau date de 1976, mais j'ai plutôt sélectionné la compilation "Midnight Moods" de 1991, qui vous livre tous les tubes jazz/funk/soul de l'artiste.

1991 - Fourplay - Fourplay

"Fourplay" est un supergroupe américain de smooth jazz composé de Bob James (claviers), Chuck Loeb (guitare), Nathan East (basse) et Harvey Mason (batterie). 

Lee Ritenour a été le guitariste du groupe de 1990 à 1998, avant d'être remplacé par Larry Carlton, qui lui-même céda sa place à Chuck Loeb en 2010.

C'est à mon avis, par la qualité des instrumentistes, un des meilleurs groupes de smooth jazz. 

Pour en juger, je vous propose ce qui pour moi est un des sommets du genre, le morceau "Bali Run", extrait du premier album du groupe au titre éponyme, interprété live lors du Java Jazz Festival de 2011.

Voici une autre perle du groupe, le titre "Max-O-Man" Live in Tokyo avec le New Japan Philharmonic Orchestra en 2013.

1992 - Stereo MC's - Connected

Stereo MC's est groupe britannique qui représente le versant Hip-Hop de l'Acid Jazz. Il est fondé à Londres en 1985, mais c'est surtout en 1992, avec la sortie de l'album "Connected" qu'ils acquièrent une réputation mondiale.

Voici le clip vidéo du tube "Connected" :

Et l'autre tube de l'album: "Step it up".

1992 - Ronny Jordan - The Antidote

Ronny Jordan est un guitariste britannique emblématique de l'Acid Jazz. C'est probablement lui qui a le plus fait pour faire connaître l'Acid Jazz en publiant en 1992 son album "The Antidote".

Sa reprise du titre "So What" de Miles Davis à la sauce "acid jazz" a rencontré un très grand succès international.

Un autre morceau phare de l'album est "Get to Grips", qui représente une fusion extrêmement réussie entre le Jazz et le Hip-Hop.

1992 - Incognito - Tribes, Vibes and Scribes

Incognito est un groupe britannique d'acid jazz fondé en 1981 à Londres par Jean-Paul Maunick, alias Bluey, et Paul Tubbs Williams. Leur premier album, "Jazz Funk", sera le seul enregistré dans les années 1980.

À partir de 1991, le groupe va enregistrer pas moins de 21 albums, dont le dernier, "Tomorrow's New Dream", est sorti en 2019.

A mon avis, leur meilleur album est "Tribes, Vibes and Scribes", sorti en 1992. Il fait connaître le groupe en particulier avec la reprise du morceau de Stevie Wonder "Don't you worry 'bout a thing". En entendant ce morceau on comprend que le groupe est très influencé par la soul music.

Voici le morceau "Colibri", typique de l'acid jazz.

1998 - Candy Dulfer - The Best Of

Candy Dulfer est une chanteuse et saxophoniste néerlandaise et c'est une icône de l'acid jazz/smooth jazz.

Elle a été principalement révélée par sa collaboration avec Prince sur la bande originale du film Batman et sa présence dans le clip de la chanson "Partyman". Elle a collaboré avec des artistes comme Madonna, Aretha Franklin, Blondie et même Pink Floyd.

Elle s'est également fait connaître par sa collaboration avec le guitariste du groupe Eurythmics, Dave Stewart, sur le morceau "Lily was here".

J'ai sélectionné sa compilation "The Best Of" qui fournit ses principaux tubes.

Voici une version live de "Lily was here", Candy Dulfer est en duo avec Dave Stewart.

Un autre grand succès de la saxophoniste est la reprise du "Pick up the Pieces" de l'Average White Band. On admirera la grande virtuosité de l'artiste dans cette version live de 2008. Elle enchaîne avec son morceau "Sax-a-Go-Go".

1999 - Blue Vinyl Lounge - Invisible Girl

Je passe à présent à des artistes peu ou pas connus du tout, mais qui nous ont quand même livré quelques pépites du genre.

Par exemple, voici un groupe de Melbourne appelé "Blue Vinyl Lounge" dont je ne connais pas grand chose (même pas le nom de la chanteuse), qui a sorti un seul album en 1999 intitulé "Invisible Girl". Je vous propose d'écouter le titre éponyme. Je trouve que la chanteuse a une très belle voix, c'est peut-être elle l'"Invisible Girl"!

2000 - St Germain - Tourist

St Germain est, lui, plus connu. De son vrai nom "Ludovic Navarre", il s'agit d'un DJ qui se produit sous différents pseudonymes, celui-ci ayant été choisi parce qu'il est né à Saint-Germain-en-Laye.

Il a sorti 3 albums sous ce nom, mais il est l'auteur de nombreux EP's et a fait de nombreuses collaborations avec d'autres artistes. 

En 2000, il rejoint le label de jazz Blue Note Records pour lequel il réalise l'album "Tourist". L'album se vend à 3 millions d'exemplaires dans le monde, dont 800 000 en France. En 2001, il est lauréat des Victoires du Jazz en tant que Révélation Jazz de l'année.

Voici le morceau "Rose Rouge" dans un live à Nulle Part Ailleurs.

2001 - Llorca - New Comer

Ludovic Llorca est un compositeur de musique électronique français, influencé par les styles soul, funk et disco. Il a sorti 3 albums, mais continue de travailler sur des remix sous d'autres noms.

En 2001, il sort l'album "New Comer" qui est un succès critique et commercial, et qui se vend à 170000 exemplaires.

Voici le morceau "My Precious Thing", un morceau groove avec la présence de la voix chaude de la chanteuse Lady Bird.

2001 - Joe Fuentes - A Good Cup Of Joe

J'ai trouvé peu d'information sur le guitariste Joe Fuentes. Personnellement, je l'ai découvert lorsqu'il publiait en 1999 les morceaux de son album "Joe Fuentes goes mp3" sur le site mp3.com. A ma connaissance, il a sorti 4 albums.

J'ai sélectionné son album le plus connu "A Good Cup of Joe", et le morceau "Brew Ha Ha".

2001 - Koop - Waltz for Koop

Koop est un duo suédois de jazz électronique. Le groupe, formé de Magnus Zingmark et Oscar Simonsson, a réalisé trois albums et a participé à de nombreux remix dont un remix de "Here's That Rainy Day" d'Astrud Gilberto pour l'album "Verve Remixed".

Mon morceau préféré figure sur l'album "Waltz for Koop", il s'agit de "Summer Sun". C'est leur premier album à entrer dans le classement américain du Billboard magazine, atteignant la dix-septième place des Top Electronic Albums. 

La chanson est interprétée par la chanteuse suédoise Yukimi Nagano, qui n'avait que 19 ans quand l'album a été enregistré. C'est elle que l'on voit dans le clip, on peut apprécier la qualité de sa voix jazzy, et celle du choix des instruments de musique tels le vibraphone et les congas.

2002 - Smokin' with Superman - Full Price

Smokin' with Superman est encore une belle surprise que nous réserve l'exploration de l'acid jazz. Il s'agit d'un groupe de jazz aux influences multiples qui, à ma connaissance, n'a sorti qu'un seul album, mais il s'agit d'une véritable pépite.

Les solistes du groupe sont le rappeur Mr Parker et la chanteuse Joy Dragland.

J'ai sélectionné 3 morceaux de cet excellent album.

Voici tout d'abord "Morning Sun", un titre dominé par le grave des cuivres et la belle voix de Joy Dragland, suivi d'un solo de rap par Mr Parker.

Continuons avec "Around the Corner (E Funk)". La partie de basse est démente et le titre est funky à souhait.

On termine avec le morceau "Dance MF", où la chanteuse se lâche bien!

2009 - Marc Moulin - Boxof

Marc Moulin, né le 16 août 1942 et mort le 26 septembre 2008, est un pianiste, compositeur, animateur et producteur radio, humoriste, chroniqueur et touche-à-tout belge.

Il a créé le groupe de musique électronique Telex et le groupe de jazz fusion Placebo (à ne pas confondre avec le groupe de rock alternatif britannique de même nom), mais ici on s'intéresse surtout à ses albums solo. 

Génie protéiforme, la musique de Marc Moulin est assez inclassable, même si l'on peut considérer qu'il subit des influences jazz, funk et soul qui peuvent placer sa musique dans la mouvance acid jazz.

J'ai sélectionné sa compilation boxof (qui fait office de "best of", elle apparaît d'ailleurs parfois sous ce titre), qui est un triple album.

Voici le morceau "Music is my husband". Un morceau à la rythmique entêtante. L'excellente chanteuse est Christa Jérôme, également belge.

Enfin, j'ai sélectionné le titre "Into the Dark", un morceau très syncopé. La trompette de Bert Joris m'évoque Miles Davis.

2010 - Acid Cool - Over me

On ne trouve pas grand chose à propos du groupe Acid Cool. "Over me", paru en 2010, semble être le seul album du groupe. 

Il s'agit d'un groupe russe composé de Boris Majorov à la basse, Alexander Potapov à la batterie, Dmitry Semenov au saxophone ténor et Misha "Tot" Tebenkov à la trompette, claviers, chœurs et production. La chanteuse est Mehmet Hilmi Dural, dite Mimi.

Voici le superbe titre "It's you again".

2013 - Dave Koz - Summer Horns

On retourne à des artistes plus connus avec Dave Koz. De son vrai nom, David Stephen Koz, Dave Koz est né le 27 mars 1963. C'est un saxophoniste américain de smooth jazz, compositeur, producteur de disques et animateur radio basé en Californie .

Dave Koz adore les collaborations, il a en outre sorti une vingtaine d'albums solo depuis 1987, qui marque le début de sa carrière.

L'album que j'ai sélectionné, "Summer Horns", a été la 19ème meilleure vente d'albums jazz aux Etats-Unis en 2014. Il s'agit d'un album de reprises. Dave Koz y est associé à 3 autres saxophonistes: Mindi Abair, Gerard Albright et Richard Elliot.

Voici ma première sélection, une reprise phénoménale du Take Five de Paul Desmond (classiquement interprété par le Dave Brubeck Quartet).

J'ai également choisi cette fabuleuse version de "I Feel Good" de James Brown, en live.

2019 - Brand New Heavies - TBNH

On termine cette sélection avec le groupe "Brand New Heavies", un des groupes phare de l'acid jazz.

Brand New Heavies (BNH) est un groupe britannique d'acid jazz et de funk, formé en 1985 dans Ealing, une banlieue de Londres. À l’origine, un groupe instrumental de rare groove, BNH acquiert une grande réputation sur les scènes des clubs londoniens et signe très vite pour Cooltempo au moment où l’acid house remplace le rare groove dans les clubs.

Les membres principaux du groupe sont Jan Kincaid, Simon Bartholomew et Andrew Levy.

Ils ont actuellement une discographie de 16 albums. "TBNH" est leur dernier album, paru en 2019, et c'est une vraie pépite.

Voici, pour commencer, le morceau "The Funk is back", un morceau bien chaloupé et bien groove comme son titre l'indique.

On termine avec l'excellent "Getaway" et la voix chaleureuse d'Angela Ricci.

 

Stevie Wonder

Stevie Wonder, né Stevland Hardaway Judkins le 13 mai 1950 à Saginaw (Michigan), est un auteur-compositeur-interprète américain. Aveugle depuis sa petite enfance, il est considéré comme l'un des plus grands artistes américains de la seconde moitié du xxe siècle et possède l'une des carrières les plus prolifiques de la musique populaire américaine.

Sa discographie, commencée dès l'âge de 11 ans, compte en 2021 pas moins de 23 albums studio, trois albums de musique de film, quatre albums live, onze compilations, et 101 singles. Par ailleurs, aux États-Unis, 49 de ses chansons ont figuré dans le Top 40 et 10 à la première place du Billboard Hot 100. Au total dans le monde, 32 de ses singles ont été no 1 des ventes de disques.

Stevie Wonder a vendu plus de 100 millions d'albums, a reçu 25 Grammy Awards, et remporté en 1984 un Oscar de la meilleure chanson originale pour "I Just Called to Say I Love You", au cours d'une carrière qui s'étend sur plus d'un demi-siècle et qui aborde de nombreux genres musicaux (comme le funk, le rhythm and blues, la soul ou encore la pop).

On notera également que Stevie Wonder est un excellent harmoniciste.

Ce que j'aime profondément chez cet artiste ce sont sa voix (il est capable de monter haut dans les aiguës et de tenir une note sur un temps immensément long), ses superbes mélodies, son humilité, son amour de l'être humain et son indéfectible bonne humeur.

Je vous ai concocté une playlist chronologique.

Voici les liens vers la playlist.

Spotify:

https://open.spotify.com/playlist/1vWp5Dm4S9khlEvPDN1zmo?si=EBpgcweSQWSgB3ALq8rvlA

Qobuz:

https://open.qobuz.com/playlist/26663812

Apple Music:

https://music.apple.com/fr/playlist/stevie-wonder/pl.u-WabZ5RRUeKgVlr

Deezer:

https://deezer.page.link/qR7Vfw1Y3qTrQWd98

D'autre part, je vous propose une sélection de ses meilleures chansons, un choix parmi ses meilleures prestations scéniques et quelques singles récents.

Je me suis permis de sauter le début de sa carrière dans les années 60, pour faire le focus sur la partie la plus intéressante: les années 70 et 80. Par contre, en ce qui concerne les prestations scéniques, j'ai souvent fait le choix de prendre les versions live les plus récentes, celles qui ont la meilleure qualité de son et d'image.

Cet article est divisé en deux parties. J'explore tout d'abord les morceaux issus des albums studios, je vous propose ensuite quelques prestations scéniques remarquables.

Albums Studio

1970 - Signed, Sealed & Delivered

Signed, Sealed & Delivered est le premier album qu'il produit lui-même. Et l'on ressent que c'est un album plus personnel avec de nombreuses compositions originales.

Sur cet album, j'ai choisi la chanson éponyme. Dans cette chanson, Stevie Wonder revient vers sa copine et se met à sa merci. C'est un sentiment similaire à la chanson "Ain't Too Proud To Beg" des Temptations. Le gars a probablement fait quelque chose de stupide - comme tromper son amie - mais maintenant il est prêt à devenir une véritable lavette si elle veut juste bien le reprendre: "signé, scellé et livré", j'aurais envie d'ajouter "clefs en main". 

Il a écrit cette chanson avec les auteurs-compositeurs de la Motown Lee Garrett et Syreeta Wright. Il y a aussi un quatrième nom aux crédits: Lula Mae Hardaway, la mère de Stevie, qui a fourni quelques idées.

Voici une vidéo tirée d'une émission télé de l'époque:

1971 - Where I'm Coming From

Where I'm Coming From est le 13e album studio réalisé par Stevie Wonder. Il est sorti le 12 avril 1971 sur le label Motown Records. Les chansons ont été écrites avec Syreeta Wright, sa première femme. C'est le premier album pour lequel Stevie Wonder a le plein contrôle artistique, et le dernier produit sous son premier contrat avec Motown.

On sent dans cet album que Stevie Wonder commence a atteindre la pleine maturité de son talent.

J'ai choisi l'une de ses plus belles chansons "Never dreamed you'd leave in summer". Il s'agit également d'une de ses chansons les plus tristes: la fin inattendue d'un amour. Stevie Wonder y exprime toute la surprise et la stupéfaction de l'amant éconduit.

Voici la version de l'album, écoutez-bien combien de temps Stevie tient sur la dernière note sur le mot "Stay", c'est absolument époustouflant.

1972 - Talking Book

Outre le fait que l'album Talking Book est excellent, il contient deux grands tubes de Stevie: "You Are the Sunshine of My Life" et "Superstition".

Stevie Wonder a remporté deux Grammy Awards en 1973 avec la chanson "Superstition": meilleure performance vocale Rhythm and Blues masculine et meilleure chanson de Rhythm and Blues. 

L'album a été désigné 90e meilleur album de tous les temps par le magazine Rolling Stone en 2003.

J'ai sélectionné une version live donnée en 2012 au Java Jazz Festival. A noter que les musiciens qui accompagnent Stevie Wonder sont tous des pointures, en particulier on remarquera parmi les choristes Judith Hill (une artiste à laquelle j'ai consacré un article).

1973 - Innervisions

Avec cet album Stevie Wonder a remporté deux Grammy Awards en 1973 (meilleure performance vocale Pop masculine et meilleur album de l'année) et un en 1974 (meilleure chanson Rhythm and Blues pour "Living for the City"). 

Innervisions a été classé quatrième au Billboard Pop Albums Chart et premier au Billboard Black Albums Chart. L'album a été désigné 23e meilleur album de tous les temps par le magazine Rolling Stone en 2003.

Le morceau "Higher Ground" a été repris par les Red Hot Chili Peppers sur leur quatrième album Mother's Milk. Le morceau "Don't You Worry 'Bout A Thing" a été repris par le groupe d'acid jazz Incognito sur leur album Tribes, Vibes and Scribes.

Voici une version live de 1974 de "Higher Ground". Guidé par un mélange de moralité chrétienne et de mysticisme astrologique, Wonder croyait qu'il écrivait une "chanson spéciale" dont les paroles suggéraient un jour de jugement à venir. "J'ai tout fait en trois heures", a-t-il déclaré au magazine Q. "C'était presque comme si je devais le faire. Je sentais que quelque chose allait se passer. Je ne savais pas quoi ni quand, mais j'ai ressenti quelque chose."

Quand il a eu 21 ans, Wonder a renégocié son accord avec Motown Records, prenant le contrôle de ses enregistrements en créant ses propres sociétés de production et d'édition. 

En 1971, il fait équipe avec les ingénieurs Robert Margouleff et Malcolm Cecil et entame un cycle constant d'enregistrements dans lesquels il joue lui-même de la plupart des instruments. 

Sur cette piste, Wonder est le seul musicien crédité, répertorié comme jouant du clavinet Hohner, de la batterie et de la basse Moog.

Dans ce hit soul latin intitulé "Don't you worry 'bout a thing" ("Ne t'inquiète pas pour une petite chose"), Stevie Wonder encourage sa femme à explorer sans crainte tout ce que la vie a à offrir, car il sera toujours à ses côtés. 

Bien qu'il prétende parler couramment l'espagnol dans l'intro, en disant "Todo está bien chévere" ("Tout est vraiment génial" ou "Tout est cool"), Wonder ne connaissait pas vraiment la langue.

Voici une version live de 2008 à Londres qui insiste sur les rythmes et les percussions latino.

1976 - Songs in the Key of Life

Cet opus est considéré par les critiques et les fans comme l'un de ses deux chefs-d'œuvre avec Innervisions. Le magazine Rolling Stone a placé l'album à la 4e place de sa liste des "500 meilleurs albums de tous les temps" en 2020.

L’album aborde plusieurs genres musicaux : soul, rhythm and blues, pop, et même jazz-rock (l'instrumental Contusion avec sa partie de guitare électrique évoquant John McLaughlin). Le pianiste Herbie Hancock assure une partie de piano électrique sur la chanson As. Le titre Sir Duke est un hommage à Duke Ellington, tandis que Isn't She Lovely? est dédié à sa fille Aisha qui venait de naître.

Songs in the Key of Life a eu de nombreuses distinctions et a donné lieu à plusieurs tubes, souvent repris ou échantillonnés au cours des décennies suivantes. Stevie Wonder a reçu quatre Grammy Awards pour cet album en 1976 (meilleure performance vocale Pop masculine, meilleure performance vocale Rhythm and Blues masculine, album de l'année et producteur de l'année).

C'est selon moi le meilleur album de Stevie Wonder, et un des meilleurs albums de tous les temps toutes catégories confondues.

Anecdote: Il semble que durant la réalisation de cet album, Frank Zappa a prêté un de ses synthétiseurs à Stevie Wonder. En tout cas, il y a du avoir une connexion entre les deux artistes, car Frank Zappa apparaît dans la liste des personnes remerciées par Stevie Wonder sur le livret de l'album.

J'ai extrait un certain nombre de tubes de cet album.

Voici le morceau "I Wish", probablement le meilleur titre funk de Stevie.

Voici une version live de 2016 à Hyde Park de "Isn't she lovely?"

"Pastime Paradise" se démarque certainement du reste de l'œuvre de Stevie Wonder en termes d'ambiance et de message. Quand on pense à Wonder, le mot "joie" est le premier qui vient à l'esprit, mais dans "Pastime Paradise", les cordes du synthétiseur - l'une des premières tentatives inédites d'utiliser ce type de synthèse de cordes dans une chanson - créent une atmosphère anxiogène, justifiée par les paroles qui ont un ton constamment négatif jusqu'à la dernière strophe. 

Une combinaison de problèmes, de la race et de la religion à l'économie, est vaguement évoquée en utilisant des mots clés comme "relations raciales" et "exploitation" sans autre explication. 

Néanmoins, la fin de la chanson définit son message réel: "Vivons nos vies, vivons pour le paradis futur", en opposition à vivre dans un passé malheureux ou bien dans un futur illusoire de manière à échapper aux problèmes sociaux du présent."

La chanson a été reprise par Coolio qui a changé les paroles et changé le titre en "Gangsta's Paradise".

"As" est certainement une des chansons de Stevie ayant les paroles les plus belles et les mieux construites. Il s'agit de l'expression d'un amour éternel qui durera toujours, ou jusqu'à l'arrivée d'événements pour le moins improbables:

(Jusqu'à ce que le jour soit la nuit et que la nuit devienne le jour)

Toujours

(Jusqu'à ce que les arbres et les mers se lèvent et s'envolent)

Toujours

(Jusqu'au jour où huit fois huit fois huit font quatre)

Toujours

(Jusqu'au jour qui est le jour qui n'est plus)

Saviez-vous que quelqu'un vous aime

( Jusqu'au jour où la terre commencera à tourner de droite à gauche)

Toujours

(Jusqu'à ce que la terre juste pour le soleil se renie)

Je t'aimerai pour toujours

(Jusqu'à ce que ma chère mère nature dise que son travail est terminé)

Toujours

(Jusqu'au jour où tu es moi et je suis toi)

Toujours

(Jusqu'à ce que l'arc-en-ciel brûle les étoiles dans le ciel

Jusqu'à ce que l'océan coupe chaque montagne)

Voici une version "Live in the Studio" de 1976:

Le morceau de clôture du double album phare de Wonder, "Another Star" dure 8:28 et inspire le chagrin. A la suite de "As", où Stevie chantait une dévotion sans fin envers sa bien-aimée, "Another Star" exprime un sentiment similaire, mais teinté de chagrin d'amour, car il est clair que Stevie a perdu son amour et n'a pas l'intention de l'oublier : "L'amour reste peut-être encore à trouver pour vous, mais moi je célébrerai notre amour d'hier."

Les paroles plaintives sont accompagnées d'une musique plutôt joyeuse, avec 10 musiciens différents rejoignant Wonder sur ce morceau, donnant une orchestration fouillée (en particulier, on remarque la présence de la flûte). On notera la présence de George Benson à la guitare et dans les chœurs.

Dans "Ngiculela, Es Una Historia, I am Singing", Stevie Wonder chante l'amour en trois langues: le zoulou, l'espagnol et l'anglais. Les paroles disent en substance:

"Je chante demain

Je chante l'amour

Je chante un jour où l'amour régnera

Dans ce monde qui est le nôtre

Je chante l'amour de mon cœur"

Voici une superbe version donnée en 2012 pour le concert de la paix des Nations Unis. Stevie Wonder est accompagné par Jasmine Cruz et Janelle Monaé, deux très belles voix.

1979 - Journey through the Secret Life of Plants (Soundtrack)

Après le succès phénoménal de l'album précédent, cet album est passé complètement inaperçu et a vraisemblablement dérouté les fans.

En effet, il s'agit d'une musique d'un film documentaire sur les plantes. Il est quasiment exclusivement instrumental. Stevie Wonder utilise encore beaucoup les synthétiseurs et pour la première fois un échantillonneur. C'est le premier album de Wonder à utiliser un enregistrement numérique.

Je pense qu'il faut laisser sa chance à cet album atypique et se laisser emporter par ces mélodies étranges et exotiques.

J'ai sélectionné l'un des rares morceaux chantés de l'album, il s'agit de "Send one your love". Une fois de plus Stevie nous livre une superbe mélodie.

1980 - Hotter Than July

La chanson en hommage à Bob Marley Master Blaster (Jammin’) ainsi que les titres I Ain't Gonna Stand for It, Lately et Happy Birthday ont constitué les hits de cet album. 

Stevie Wonder a écrit la chanson Happy Birthday pour rendre hommage à Martin Luther King et a fait une campagne pour instaurer le 15 janvier, date de sa naissance, comme jour férié aux États-Unis. Sa détermination porte ses fruits en 1986 lorsque Ronald Reagan introduit dans la législation américaine le 3e lundi de janvier comme jour férié à la mémoire de Martin Luther King.

Quel plus bel hommage que ce "Master Blaster" ? Voici une version live à Londres en 2008.

"Happy Birthday" est devenu un second hymne pour souhaiter un bon anniversaire. Voici une version donnée par Stevie Wonder pour fêter les 80 ans de Michael Caine et Quincy Jones.

1984 - The Woman in Red (Soundtrack)

Cet album inclus l'un des plus grands succès de la carrière de l'artiste, "I Just Called to Say I Love You", avec lequel il a remporté l'Oscar de la meilleure chanson originale. 

On y trouve aussi Love Light in Flight (classé dans le top 20 du billboard américain) et Don't Drive Drunk. L'album a atteint la 4e place des charts américains et la seconde place au Royaume-Uni.

Voici un clip de la chanson "I Just Called to Say I Love You".

1985 - In Square Circle

Avec cet album, Stevie Wonder a remporté le Grammy Awards en 1985 de la meilleure performance vocale Rhythm and Blues masculine.

La chanson "Part Time Lover" parle d'un couple infidèle et des machinations qu'ils organisent pour garder leur liaison secrète. Ce sont des "amants à temps partiel" ("part time lover") parce qu'ils doivent rester discrets :

"Nous sommes étrangers le jour, amants la nuit

Sachant que c'est si mal, mais se sentant si bien"

La chanson se termine par une astuce, quand il devient clair pour le chanteur que sa propre femme a un amant à temps partiel qui joue au même jeu.

Wonder dit qu'il a été dans une position similaire, avec un gars qui appelait chez lui et essayait de déguiser sa voix quand Stevie lui répondait.

En voici une version live endiablée:

Dans "Overjoyed", Stevie parle d'un homme qui souhaite que l'amour dont il a rêvé se réalise: alors il serait "fou de joie". Voici une version live de 2017.

1987 - Characters

Ce 20e album de l'artiste a été classé 17e aux US Pop charts et 1er aux US R&B/Hip-Hop charts.

Les quatre tubes de l'album sont Skeletons, Get It un duo avec Michael Jackson, la ballade R&B You Will Know et Free. À noter la participation de B.B. King et Stevie Ray Vaughan sur le morceau Come Let Me Make Your Love Come Down.

"Free" parle d'un homme qui se sent libre de toutes les contingences, plus libre qu'un rayon de soleil, qu'une goutte d'eau, aussi libre qu'une rivière.

1991 - Jungle Fever (Soundtrack)

En 1991, Stevie Wonder est sollicité pour réaliser la bande son du film "Jungle Fever" de Spike Lee.

Le film connaît un grand succès commercial et la prestation de Samuel L. Jackson est saluée comme une des meilleures performances de l'acteur.

J'ai retenu pour sa superbe mélodie la chanson "These Three Words" qui montre qu'il est très simple finalement d'exprimer son amour en 3 mots: "Je vous aime". Il existe une très belle reprise de cette chanson par Judith Hill, j'en parle dans l'article qui lui est consacré.

Extraits de concerts & nouveaux singles

Ce chapitre est consacré à des extraits de concerts remarquables et à quelques singles sortis depuis le dernier album studio.

Reprise de "The Way you make me feel" de Michael Jackson

Dans cette vidéo, Stevie Wonder reprend la chanson de Michael Jackson en duo avec John Legend. Ensuite, on a droit à un duo avec B.B. King.

2008 - Spain de Chick Corea

En 1973, Chick Corea sort son second album avec le groupe Return to Forever. Cet album est intitulé "Light as a Feather". Il contient le standard du Jazz "Spain". En 2008, dans son live à Londres, Stevie Wonder reprend ce morceau avec ses musiciens ... je vous laisse apprécier le résultat!

2010 - Ebony & Ivory en duo avec Paul McCartney

Ebony & Ivory est un duo de Stevie Wonder et Paul McCartney. Il sort sur l'album "Tug of War" de Paul McCartney de 1982.

En 2010, voici un extrait d'un concert depuis la maison blanche. Ce titre parle bien sûr de l'harmonie entre noirs (ebony) et blancs (ivory).

2011 - Fragile en duo avec Sting

Fragile est une chanson écrite, composée et interprétée par le chanteur britannique Sting. Sortie en single en avril 1988, elle est extraite de l'album "...Nothing Like the Sun" paru en octobre 1987.

Fragile est un hommage à Ben Linder, un ingénieur américain qui travaillait sur un projet hydroélectrique au Nicaragua et qui fut tué par les Contras en 1987.

Voici un duo de Sting et Stevie Wonder donné lors du concert des 60 ans de Sting. Stevie Wonder chante et joue de l'harmonica.

2011 - Superstition & As en duo avec Janelle Monaé

Lors de son concert Rock in Rio en 2011, Stevie Wonder interprète ces deux titres avec Janelle Monaé. On notera au passage la présence de Judith Hill et Aisha Morris (la fille de Stevie Wonder) dans les chœurs.

2015 - Ain't no Sunshine de Bill Withers

Ain't No Sunshine est une chanson de Bill Withers sortie en 1971 sur son premier album, Just As I Am.

La chanson est publiée en tant que single en septembre 1971 et atteint respectivement la 8e et la 3e place des charts R&B et POP U.S. Ain't No Sunshine est placée 280e dans la liste des 500 plus grandes chansons de tous les temps établie par le magazine Rolling Stone en 2003. Elle est l'une des chansons les plus diffusées sur les radios britanniques.

En 2015, Stevie Wonder rend hommage à Bill Withers et chante cette chanson devant son auteur.

2015 - People en duo avec Arturo Sandoval

People est une chanson composée par Jule Styne, avec des paroles de Bob Merrill, pour leur comédie musicale Funny Girl créée à Broadway en 1964. La chanson a été créée sur scène par Barbra Streisand, l'interprète du rôle principal de Fanny Brice dans la production originale de Broadway de 1964. 

Voici une reprise de Stevie Wonder avec le trompettiste d'origine cubaine Arturo Sandoval.

2016 - Faith en duo avec Ariana Grande (Single)

En 2016, Stevie Wonder participe à la bande son du film "Sing" ("Tous en Scène"), un dessin animé dans lequel les animaux chantent lors d'un show organisé par un Koala.

Il interprète la chanson "Faith" avec Ariana Grande. La chanson fait partie du générique de fin du film.

2016 - Purple Rain en duo avec Madonna

Purple Rain est une ballade de Prince & The Revolution. Ce single porte le même titre que l'album et que le film dont il est issu, tous les supports sont sortis en 1984. La chanson est un mélange de Rock'n'roll, de pop et de musique gospel et est considérée comme l'une de ses chansons phares.

Stevie Wonder la chante en duo avec Madonna en hommage à Prince lors des Billboard Awards 2016.

2017 - Happy en duo avec Pharrell Williams

Le single Happy de Pharrell Williams, sorti le 18 novembre 2013, est à l'origine présent sur la bande originale du film d'animation Moi, moche et méchant 2, sorti à l'été 2013. Ce single est un succès planétaire et s'écoulera à plusieurs millions d'exemplaires dans le monde et obtient notamment un disque de diamant en France. Il est certifié 7x platine aux USA pour 7 millions de copies vendues.

Il est intégré dans le second album de Pharrell Williams intitulé GIRL.

Lors du concert Global Citizen 2017, Stevie Wonder l'interprète avec Pharrell Williams.

2017 - Get Lucky + Superstition avec Pharrell Williams

Lors du même concert, on a droit à Get Lucky et Superstition.

Get Lucky est le premier single extrait de l'album Random Access Memories du groupe Daft Punk, coécrit et interprété en collaboration avec Pharrell Williams et Nile Rodgers.

Avant son lancement officiel, le single Get Lucky est présenté lors du Saturday Night Live et au Coachella Festival. Acclamé par les critiques spécialisées, le titre rencontre un succès international important en se retrouvant no 1 dans de nombreux pays durant l'été 2013, et remporte deux Grammy Awards l'année suivante.

2020 - Where is our love song (single)

"Where Is Our Love Song", le dernier single de Stevie Wonder à ce jour, est similaire dans sa signification à un morceau bien connu que Stevie Wonder a sorti en 1976 et qui s'intitule "Love's In Need of Love Today". Et thématiquement, cela représente une position que le musicien a tenue tout au long de sa carrière musicale. Et c'est un besoin d'augmenter la sympathie et l'empathie entre les hommes. 

En tant que telle, la "chanson d'amour" à laquelle il fait référence dans le titre n'est pas dans une connotation amoureuse. Ce que le chanteur préconise plutôt, c'est que les membres de "l'humanité" deviennent plus aimants les uns envers les autres.

Le chanteur et guitariste Gary Clark Jr. a participé à ce titre, en voici la version audio.

 

Betty Davis

Betty Davis, née Betty Gray Mabry le 26 juillet 1944 à Durham (Caroline du Nord, États-Unis) est une chanteuse américaine de soul et de funk.

Si j'ai souhaité lui consacrer un article c'est qu'elle nous a quitté récemment, le 9 Février 2022.

Je lui avais déjà consacré quelques lignes dans mon article sur les divas de la soul, mais voici une sélection beaucoup plus fournie.

Betty Mabry rencontre Miles Davis en 1967, et l'épouse en 1968 à l'âge de 23 ans (ils avaient 20 ans d'écart). Le mariage ne dure qu'un an, Miles Davis demandant le divorce en 1969 car, selon ses mots, son épouse est « trop jeune et sauvage » pour lui. 

Le trompettiste affirmera plus tard que Betty Davis eut beaucoup d'influence sur son travail, lui faisant notamment découvrir le rock psychédélique de Jimi Hendrix et le funk novateur de Sly Stone. Cette influence se retrouve entre autres sur l'album "Filles de Kilimanjaro", qui contient un morceau nommé "Mademoiselle Mabry" et dont la pochette a été réalisée à partir de plusieurs clichés de Betty Davis.

L'influence d'Hendrix et de Sly Stone sur Miles Davis est également perceptible sur l'album Bitches Brew, souvent considéré comme fondateur du courant jazz-rock et un des meilleurs albums de Miles.

Betty Davis est certainement la chanteuse de funk la plus sous-estimée et méconnue qui existe. Elle semble avoir été trop en avance sur son temps. Elle fut donc un météore de la musique ses albums ayant été enregistrés entre 1968 et 1979 (même si, comme on va le voir, certains ont été édités beaucoup plus tard).

Betty Davis a un énorme charisme et un talent aussi grand. Elle est funky, groovy, sensuelle, énergique, elle a une gouaille formidable. Sa voix nous gifle, elle râle, elle gémit. Ses textes parlent de sexe, de racisme, de politique et d'inégalités. 

Je vous ai concocté une playlist basée sur ma sélection.

Voici les liens vers la playlist.

Spotify:

https://open.spotify.com/playlist/1FK1eKDUqlPk3suNbyET01?si=ygsinVC7SI2nG1f7rejEpg

Qobuz:

https://open.qobuz.com/playlist/38280001

Apple Music:

https://music.apple.com/fr/playlist/betty-davis/pl.u-GgA5BYbcoXWz1R

Deezer:

https://link.deezer.com/s/31fbjU0SBRj5MfASFnimW

D'autre part, je vous propose de partir à la découverte de sa discographie avec cette petite sélection.

1973 - Betty Davis

Betty Davis utilise ses nombreux contacts dans le milieu de la musique pour former son propre groupe, avec lequel elle enregistre son premier album homonyme, qui sort en 1973. Le disque réunit des musiciens issus de groupes célèbres de la côte Ouest des États-Unis, dont la section rythmique de Sly & the Family Stone. On y retrouve des artistes comme Sylvester et les Pointer Sisters dans les chœurs.

L'album est produit par Gregg Errico qui joue également de la batterie. Il contient quelques morceaux sexuellement très explicites pour l'époque, choque certaines consciences, valant notamment à son autrice les remontrances de la NAACP (National Association for the Advancement of Coloured People, Association pour le progrès des gens de couleur), estimant qu'elle représente une "honte" pour les Noirs américains. 

Des groupes religieux organisent même des manifestations lors de ses concerts, dont plusieurs doivent être annulés. 

Le morceau "If I'm In Luck I Might Get Picked Up" est de plus interdit de diffusion dans la ville de Détroit, et de nombreuses radios du pays refusent de le passer à l'antenne. Une station de Kansas City s'attire même de sévères remontrances pour avoir diffusé le titre par accident.

Voici quelques titres de cet album totalement avant-gardiste pour l'époque.

Voici le morceau "If I'm In Luck I Might Get Picked Up", écoutez cette rythmique d'acier et les interventions de l'orgue.

On poursuit avec "Anti Love Song", une chanson à nouveau explicite, qui a été reprise par Skunk Anansie.

Toujours le funk le plus hard avec "Your Man My Man" sur deux femmes qui partagent le même homme:

"Game is my middle name", sur les jeux de l'amour:

Il reste très peu de témoignages live de Betty Davis. Voici un très court extrait de la chanson "Stepping in Her I. Miller Shoes":

1974 - They Say I'm Different

L'année suivante Betty Davis sort un nouvel album, mais, tout comme le premier il ne rencontrera pas beaucoup de succès.

Voici "Shoo-B-Doop And Cop Him", un morceau très groove:

On poursuit avec le titre "He was a big freak". 

Le gros monstre dont la chanson parle, serait-ce Miles ? En tout cas Betty Davis en fait des tonnes …

"They Say I'm Different" ("Ils disent que je suis différente"), on peut penser qu'il s'agit d'une profession de foi:

Voici un morceau plus jazzy: "Special People".

1975 - Nasty Gal

Betty Davis sort de nouveau un album l'année suivante. Même si je trouve la musique globalement un peu plus sage, il n'en est rien de la pochette provocante et du titre "Nasty Gal", la "vilaine fille".

Le succès n'est toujours pas au rendez-vous, ce qui confirme l'hypothèse selon laquelle Betty Davis était trop en avance sur son temps.

Voici le titre "Nasty Gal" :

Voici "F.U.N.K.":

Et "Gettin' Kicked Off, Havin' You":

1976 - Is It Love or Desire

Rien ne va plus entre Betty Davis et le producteur du label Island Records Chris Blackwell. Il semble qu'il s'agisse de désaccords artistiques, Betty Davis ne voulant rien changer à son style. Résultat des courses, l'album ne sort pas et cela sonne le glas de la carrière de Betty Davis.

Il faudra attendre 2009 pour que l'album soit finalement publié, soit plus de 30 ans après !

Les musiciens sur cet album sont: Semmie (Nickey) Neal Jr. à la batterie, Larry Johnson à la basse, Carlos Morales à la guitare et Fred Mills aux claviers.

Voici "Whorey Angel" sur lequel Fred Mills chante avec Betty Davis:

Voici "Crashin' From Passion":

"When Romance Says Goodbye" est la chanson la plus délicate que Betty Davis ait jamais enregistrée, ce qui montre un net changement de cap. La chanson est très orientée soul.

"For My Man" est à nouveau un titre funk, où Betty Davis redevient sensuelle.

1995 - Crashin' From Passion

En 1979, Betty Davis fait une dernière session d'enregistrement avec des artistes connus comme Herbie Hancock aux claviers, ainsi que Martha Reeves et les Pointer Sisters dans les chœurs. 

Mais cela ne change rien, la carrière de Betty Davis se termine abruptement et de manière inexplicable. L'album lui ne sortira qu'en 1995.

Sur le premier morceau "Quintessence of Hip" on peut entendre plusieurs références telles un riff de guitare à la Jimi Hendrix, une évocation de "Superstition" de Stevie Wonder et une de "Respect" d'Aretha Franklin.

On peut également entendre le titre "Crashin' For Passion" qui a le même titre qu'un autre morceau de l'album "Is It Love or Desire", mais qui est différent.

Enfin, sur plusieurs titres tels que "All I Do is Think About You", on peut entendre une chanteuse plus apaisée dans un style soul ou disco. Ce qui n'est peut-être pas l'orientation que Betty Davis souhaitait prendre (cela rend l'album plus commercial et "respectable"). 

Voici l'album complet:

2016 - The Columbia Years 1968-1969

En octobre 1968 puis en mai 1969, Betty mettra en boîte deux sessions pour Columbia, le label de Miles. 

La première se déroule à Los Angeles et réunit quelques pointures parmi lesquelles Masekela, Joe Sample et Wayne Henderson. 

Pour la seconde, à New York cette fois, elle est entourée de géants du jazz comme Herbie Hancock, Wayne Shorter et John McLaughlin, ainsi que des complices d’Hendrix, Mitch Mitchell et Billy Cox. 

Derrière la console pour produire, Miles est présent, épaulé par son producteur attitré, Teo Macero. Betty chante ses propres compositions et reprend également Politician Man de Cream et Born on the Bayou de Creedence Clearwater Revival. 

Des démos qui resteront des années dans les archives de Columbia, peu motivé pour les publier. A moins que Miles lui-même, craignant l’ombre qu’aurait pu lui faire sa charismatique compagne, n’ait poussé son label à volontairement les oublier…

On ne saura jamais le fin mot de l'histoire. Finalement l'album est publié ... mais seulement en 2016.

Voici "Politician" (ou "Politician Man"), on entend la voix de Miles au début du morceau:

On termine avec "Born on the Bayou":

Aujourd'hui, Betty Davis reste une figure culte, à laquelle de nombreux artistes comme Carlos Santana ont rendu hommage. Elle est souvent considérée comme une créatrice en avance sur son temps. Sa musique a notamment été samplée par des rappeurs comme Ice Cube ou Talib Kweli.

Les albums "Betty Davis" et "They Say I'm Different" ont été réédités par le label de Seattle Light in the Attic le 1er mai 2007.