Big Big Train. De gauche à droite: Andy Poole, Danny Manners, David Longdon, Rikard Sjöblom, Nick D'Virgilio, Dave Gregory, Rachel Hall, Greg Spawton
Big Big Train
Le groupe britannique Big Big Train a vu le jour en 1990 à Bournemouth. Les deux principaux fondateurs du groupe sont Greg Spawton (basse, guitare et claviers) et Andy Poole (guitare acoustique, claviers, mandoline).
En 2009, deux nouveaux membres arrivent qui vont fortement influencer le groupe : le multi-instrumentiste David Longdon qui va prendre le rôle de chanteur, et le batteur Nick D’Virgilio en provenance du célèbre groupe Spock’s Beard.
Pour de plus amples informations, vous pouvez vous reporter à l'article Wikipédia du groupe: Big Big Train.
Je vous propose une sélections des meilleurs albums du groupe.
D'autre part, je vous ai concocté une anthologie du groupe dans les playlists suivantes.
C’est à cette époque que le groupe commence à connaître le succès avec un très bel album intitulé "The Underfall Yard", dans lequel on sent encore quelques influences des groupes Genesis et Yes. Le chanteur David Longdon a d’ailleurs une voix qui fait penser à Peter Gabriel ou Phil Collins. Il fut d’ailleurs auditionné par Tony Banks et Mike Rutherford pour remplacer Phil Collins au sein de Genesis.
Voici la version audio du titre éponyme "The Underfall Yard":
2013 - English Electric Full Power
Sur la période 2012/2013 le groupe sort un double album, dont les deux parties sortent séparément : "English Electric Part One" et "English Electric Part Two". Ces deux parties seront ensuite réunies pour former "English Electric Full Power" qui contient également quatre nouveaux morceaux.
Cet album-concept raconte des événements historiques qui ont fait de l’Angleterre ce qu’elle est aujourd’hui. Entre autres, citons l’histoire exemplaire de la célèbre locomotive à vapeur Mallard qui fut construite par la compagnie London and North Eastern Railway en 1937, et qui en juillet 1938, vola à l'Allemagne le record mondial de vitesse pour ce genre d'engin.
Je vous propose d'écouter English Electric Part One en audio:
2016 - Folklore
English Electric est un excellent album, mais le groupe a sorti en 2016 un album encore plus fabuleux : « Folklore ». Certainement le meilleur album de Rock Progressif de ces dix dernières années.
Le thème de cet album a trait aux folklores et à des histoires typiquement anglaises : des histoires du passé, des légendes enfouies, des croyances populaires qui ont laissé une trace rémanente dans les mémoires et dont on ne sait trop si elles sont vraies ou pas.
Le chanteur David Longdon y atteint la plénitude de son talent et une vraie personnalité. La qualité de cet album place le groupe Big Big Train parmi les tout meilleurs groupes de rock progressif actuels, et en dignes représentants du "new prog" ou "crossover prog".
Une mention pour la pochette qui présente le corbeau traditionnel des récits médiévaux: "Grimspound" par Sarah Louise Ewing. (A noter que l’album suivant du groupe, paru en 2017, a d'ailleurs pour nom "Grimspound" !)
Je vous propose une revue des titres de cet album.
Folklore
L’album débute par le titre éponyme. C’est un des plus beaux morceaux progressifs de ces dernières années. La chanson annonce le thème de l’album :
"We tell our tales, we sing our songs ... I am a messenger : I speak with integrity, truth, love and light".
Traduction :
"Nous racontons nos histoires, nous chantons nos chansons ... Je suis le messager : Je parle avec intégrité, vérité, amour et lumière".
Le morceau débute par une introduction lente aux cordes et cuivres, très classique, elle fait penser à de la musique de film. Le rythme du morceau est très influencé par la musique celtique et le refrain est hymnique. La voix de David Longdon y trouve toute son ampleur et les accompagnements, notamment les cuivres, sont superbes.
Along the Ridgeway
Ce titre (ainsi que le suivant auquel il est lié) raconte une histoire liée à la plus ancienne route d’Angleterre où fleurissent les légendes, dont celle du géant de Salisbury. Musicalement, il s’agit d’une sorte de ballade à la mélodie nostalgique. On y retrouve les interventions des cordes, et du violon de Rachel Hall en particulier.
« And by the light of the moon,
Alfred sounds his stone
And legends are reborn »
Traduction :
« Et sous la lumière de la lune,
Alfred fait résonner sa pierre
Et les légendes renaissent »
Salisbury Giant
Ce morceau (lié au morceau précédent) raconte l’histoire du géant de Salisbury qui parcourait la ville lors des processions organisées pendant le solstice d’été. La mélodie a quelques relents celtes et l’on entend principalement le violoncelle dans le grave, le violon, et de nombreuses interventions de l’orgue.
London Plane
Il s’agit d’une ballade sur une mélodie folk à la guitare acoustique et à la flûte qui raconte l’évolution de Londres vue par un platane. Vers 4:45 on assiste à une accélération du morceau et à un passage typiquement progressif qui commence par un solo d’orgue, suivi par la flûte et la guitare.
Mudlarks
Le morceau commence par une intro du piano, puis les claviers interviennent, suivi par le violon qui joue une musique foisonnante. Vers 2:00 on entend un solo d’orgue. Vers 3:20 on entend un nouveau thème au violon, puis la guitare électrique déroule son solo, repris par le violon. La fin du morceau est très douce.
Lost Rivers of London
Il s’agit d’une ballade assez rythmée, où l’orgue a un rôle important. Cette chanson parle de toutes ces rivières inconnues qui ont parcouru Londres.
The Transit of Venus across the Sun
L’introduction est lente et classique. Elle débute par les cuivres, suivis par le violon. Vers 1:35 interviennent la guitare, la batterie et le basse, puis intervient le chant. Cette lente ballade est dans le plus pur style progressif. Vers 3:15 débute une superbe partie avec un léger crescendo, une alliance subtile des harmonies vocales avec les cuivres et les synthés.
Wassail
Ce morceau se réfère selon toute vraisemblance à une tradition typiquement anglaise de gens qui font du porte-à-porte, chantant et offrant un bol de vin chaud (le « wassail bowl ») en échange de cadeaux. La mélodie du morceau est celtique avec une forte présence du violon et un refrain qui donne irrésistiblement envie de chanter. En version live:
Winkie
Ce titre raconte l’histoire de Winkie, un pigeon voyageur qui a sauvé, le 23 Février 1942, tout l’équipage naufragé d’un bombardier de la Royal Air Force, en parcourant 120 miles en mer du nord.
Arrivé à la base épuisé et couvert d’essence, il a permis aux secours de retrouver les naufragés en 15 minutes.
Il fut le premier animal à recevoir la plus haute distinction spécialement créée pour lui: la Dickin Medal. Le morceau démarre par une intro à la flûte et aux synthés. On entend des roucoulements et des bruits d’ailes.
Le rythme du morceau est très scandé et a un côté folklorique : par moments, il fait penser au morceau "The Red Shoes" de Kate Bush.
Brooklands
Ce morceau raconte l’histoire d’un pilote automobile qui se remémore la chance qu’il a eu de courir sur le circuit automobile de Brooklands : ouvert en 1907 il est le premier lieu consacré au sport automobile.
L’introduction est lente et interprétée à la guitare, basse, et violon. La fondation du morceau est établie sur la basse et la batterie.
Vers 5:42 on assiste à une envolée purement progressive : aux guitares, répond la formidable partie de batterie. Tout est bien en place dans ce morceau.
Telling the Bees
Le dernier titre de l’album raconte l’histoire d’un apiculteur qui a un lien très fort avec la nature et fait part aux abeilles des grands événements de sa vie. Il s’agit d’une belle ballade rock avec l’intervention d’un accordéon, instrument assez rare dans le rock progressif.
2021 - Common Ground
En 2021 sort ce nouvel album de Big Big Train. Il se classe pour moi dès à présent comme un des meilleurs albums de Rock Progressif de l'année 2021.
Voici la vidéo du morceau Apollo:
2022 - Welcome to the planet
Le 28 Janvier 2022, le groupe sort son dernier album en date.
Cet article est dédié à la mémoire de David Longdon, le chanteur du groupe, qui est mort par accident le 20 Novembre 2021.
Il s'agit du quatorzième album studio du groupe. J'ai sélectionné quatre titres extraits de cet album.
Lanterna
Ecrit par le bassiste du groupe, Greg Spawton, ce morceau lui a été inspiré par un Voyage en Italie. Alors qu'ils passaient par Gênes, les musiciens ont visité le phare de Gênes appelé "Lanterna di Genova". Il s'agit du cinquième plus haut phare du monde, il culmine à 76 mètres au sommet d'une tour carrée. Greg Spawton évoque dans cette chanson la lumière qui garde les marins en sûreté. Il s'agit d'une ballade dominée par le chant de David Longdon.
Proper Jack Froster
Ce morceau a également été écrit par Greg Spawton. Il y décrit des souvenirs d'enfance, ses jeux avec ses amis dans le jardin de la maison, en hiver il fait froid dans la maison, et sa mère lui dit que Jack Frost est passé (Jack Frost est un personnage imaginaire anglo-saxon personnifiant l'hiver et le froid qui gèle les mains). A cette époque, ses parents divorcent, il est obligé de changer de maison, et il n'a plus d'amis. La mélodie du morceau est originale et nostalgique, on y entend à plusieurs reprises un violon et une trompette.
Love Andreas Gson Fagerstedt en a fait un dessin animé:
Bats in the Belfry
Il s'agit du dernier single de cet album. C'est un morceau instrumental dans lequel on entend des trompettes, des claviers (qui par moments jouent comme un orgue), mais surtout la vedette est donnée à la batterie de Nick D'Virgilio:
Welcome to the planet
On finit avec le titre éponyme de l'album. Le morceau débute par des fanfares, puis on y entend le chant de David Longdon, puis de Carly Bryant qui est une nouvelle artiste du groupe qui chante et joue des claviers. Le morceau nous fait entendre Carly dans un chant sans paroles, le chant enfle de plus en plus et nous mène à un passage Nouvelle Orleans.
Voici tout d'abord la version présente sur le disque:
On termine par une magnifique version acoustique avec David Longdon au chant et à la flûte et Carly Bryant au chant et au piano. Cette vidéo est un hommage à David Longdon.
2023 - Ingenious Devices
Le 30 Juin 2023 sort le nouvel album de Big Big Train: "Ingenious Devices".
Ingenious Devices se compose de nouvelles versions de East Coast Racer (extrait de l'album English Electric), Brooklands (Folklore) et Voyager (Grand Tour), qui présentent une section de cordes composée de 17 musiciens enregistrés aux studios Abbey Road à Londres.
À l'exception du chant principal, qui utilise l'enregistrement original du regretté David Longdon, East Coast Racer est une toute nouvelle version studio enregistrée par le line-up du groupe tel qu'il était en 2019.
Brooklands propose une batterie, une basse et des pédales de basse nouvellement enregistrées, tandis que Voyager comprend une guitare et un violon supplémentaires. Les trois chansons ont été remixées pour cette version et tout l'audio est présenté en 24 bits/96 kHz.
Ingenious Devices comprend également une pièce orchestrale inédite intitulée The Book of Ingenious Devices, qui relie East Coast Racer et Brooklands.
Ingenious Devices propose également une performance live d' Atlantic Cable, enregistrée à Friars, Aylesbury en septembre 2022.
Le nouveau chanteur de BBT, Alberto Bravin, en provenance du groupe italien Premiata Forneria Marconi, commente : "Atlantic Cable a été enregistré lors de notre deuxième concert de la tournée l'année dernière. Ce n'est pas du tout une chanson facile à jouer et nous étions à la fois étonnés et soulagés de l'avoir si bien réussi. J'ai vécu un véritable baptême du feu en jouant ce spectacle devant plus de 1 000 fans passionnés de BBT, mais leur réaction face à la chanson et au reste de notre set live ce soir-là était vraiment motivante."
L'album peut être écouté et acheté sur le site suivant:
Status Quo est un groupe de hard rock britannique. Il fut fondé en 1962 par deux amis Francis Rossi et Alan Lancaster.
Le groupe s'appelait à l'origine The Spectres, changea plusieurs fois de nom avant de se fixer de manière définitive sur "Status Quo" en 1969.
Si j'ai sélectionné ce groupe c'est que j'aime beaucoup le rythme de boogie rock qu'ils impriment à la plupart de leurs titres. C'est une musique rythmée, dansante et qui met plutôt de bonne humeur.
Ils ont eut plus de 60 tubes classés dans les charts britanniques. Ils sont actuellement à la tête d'une discographie de 33 albums studio et 5 albums live. Le groupe est toujours actif.
J'ai choisi une photo de la période qui me semble la plus emblématique du groupe, c'est-à-dire les années 70. On voit sur cette photo, de gauche à droite, John Coghlan (batterie), Francis Rossi (chant et guitare solo), Alan Lancaster (basse et chant) et Rick Parfitt (chant et guitare rythmique).
Parmi les membres actuels, on ne retrouve plus que Francis Rossi, Rick Parfitt est mort en 2016 et Alan Lancaster en 2021.
Mon amour pour ce groupe ne s'est jamais démenti et je vous propose donc une playlist chronologique depuis le premier album "Picturesque Matchstickable Messages from the Status Quo" sorti en 1968, jusqu'au dernier intitulé "Backbone" sorti en 2019.
Voici l'anthologie des albums de Status Quo que je vous propose, avec des sélections YouTube.
Ma Kelly's Greasy Spoon (1970)
Les deux premiers albums de Status Quo sont psychédéliques et ne correspondent pas tout à fait au style qui a fait la réputation du groupe.
C'est avec ce troisième album, Ma Kelly's Greasy Spoon, que l'on commence à trouver le boogie rock qui est la marque de fabrique du groupe.
J'ai sélectionné un titre bluesy "Spinning Wheel Blues". On y retrouve déjà l'équipe de base des années 70, avec Francis Rossi au chant. L'harmonica est joué par Robert Young, qui a très longtemps accompagné le groupe et composé des chansons.
Dog of Two Head (1971)
L'album suivant sort le 5 novembre 1971 et continue basiquement dans le même style.
Le titre "Umleitung" est encore influencé par le blues, mais préfigure bien le style des albums à venir. Umleitung est un mot allemand qui signifie "Déviation" ou "Détour". On suppose qu'ils ont choisi un mot allemand car ils faisaient pas mal de tournées en Allemagne à cette époque.
Piledriver (1972)
En 1972 sort l'album qui est considéré par la plupart des fans, dont je fais partie, comme le chef-d'oeuvre du groupe.
L'album est résolument orienté vers le rock et le boogie. Le look des musiciens avec leurs cheveux longs et leur façon de secouer la tête en cadence les place tout à fait dans la mouvance hard rock.
Cet album est pour moi un incontournable du rock, d'autant plus que je l'ai découvert alors que j'avais 13 ans!
Pile Driver sera le premier album du groupe classé dans les charts britanniques où il atteindra la 5e place et restera classé pendant 38 semaines. Il sera certifié disque d'or en France en 1977.
J'aurais certainement pu sélectionner tous les titres de l'albums, mais, étant raisonnable, j'ai choisi les 3 titres suivants.
Voici, tout d'abord, "Big Fat Mama", dans une version live de l'époque.
Et, pour vous montrer la différence, voici une version live de 2017 à Wacken d'un des plus grands tubes de Status Quo "Paper Plane".
Terminons en beauté avec cette reprise du "Roadhouse Blues" des Doors. On peut considérer que les Status Quo se sont complètement réapproprié le morceau. En voici une version extraite de leur Frantic Four, on retrouve Alan Lancaster au chant.
Hello! (1973)
L'année suivante, Status Quo récidive avec l'album Hello!, lui aussi largement acclamé par la critique et par le public, et qui contient des titres incroyables.
Cet album marque la première participation du claviériste Andy Bown qui deviendra par la suite un membre à part entière du groupe.
Je vous ai d'abord sélectionné la version live de 2017 à Wacken de "Roll Over Lay Down".
La chanson est une rareté de Quo en ce sens qu'elle est attribuée conjointement à Rossi, Young, Lancaster, Parfitt et Coghlan. "Tout le monde pensait l'avoir écrit", dit en riant Francis Rossi des années plus tard en guise d'explication.
Rossi a écrit les paroles, et malgré le titre de la chanson apparemment paillard: "Retourne-toi, allonge-toi", elles sont en fait assez innocentes: il rentre tard la soir, sa femme est couché dans leur lit et occupe sa place, il lui demande de se pousser.
Voici ensuite le tube "Caroline" dans un live de 2014 au Donington Park.
Il y a plusieurs Carolines à travers le monde qui pensent que la chanson parle d'elles, mais la Caroline de la chanson n'est pas une vraie personne. Le nom était présent dans le paysage musical grâce à la chanson de Neil Diamond "Sweet Caroline", qui était un tube britannique en 1971. Dans une interview, Francis Rossi a déclaré: "Nous avions entendu ce nom autour de nous, et c'était plutôt sympa. Bob [Young] connaissait une Caroline, dont je ne dois pas parler. Mais je suppose qu'il pensait un peu à elle en écrivant la chanson."
"Softer Ride" est un titre un peu moins connu mais qui mérite une (re)découverte. La chanson parle de quelqu'un qui en a assez et ne veut plus travailler, il veut se faire une vie plus douce, "une balade plus douce".
Ce que j'aime dans ce titre c'est son début plutôt cool, qui laisse néanmoins présager que cela ne va pas durer, et l'accélération progressive jusqu'au déchaînement des guitares.
Voici le live à Wacken 2017.
Quo (1974)
Quo est le septième album studio du groupe. Il est sorti le 1er mai 1974 sur le label Vertigo et a été produit par le groupe.
C'est encore un excellent album qui atteindra la 2e place dans les charts anglais et sera certifié disque d'or, notamment au Royaume-Uni et en France.
Le single extrait s'intitule "Break the rules". La chanson raconte l'histoire d'un gars qui va dans un bar honky tonk où il rencontre une fille qui l'emmène en voiture et dépasse la vitesse limite. Le gars conclut: tout le monde doit parfois "enfreindre les règles".
Voici la version audio du morceau.
On The Level (1975)
Ce huitième album a été enregistré pendant l'hiver 1974 aux Studios IBC et dans les studios du label Phonogram à Londres.
L'unique single qui en est extrait et qui précède la sortie de l'album, "Down Down", atteindra la première place dans les charts anglais. L'album comprend également une reprise d'un titre de Chuck Berry, Bye Bye Johnny, chanté par Alan Lancaster.
"On The Level" atteindra la première place des charts britanniques, français et néerlandais et sera certifié disque d'or au Royaume-Uni et en France pour plus de 100 000 album vendus.
L'album reste dans le style boogie rock pour lequel on aime Status Quo.
Voici le morceau "Down Down" dans un clip de l'époque.
Rockin' all over the world (1977)
Rockin' All Over the World est le dixième album studio du groupe, paru le 11 novembre 1977 sur le label Vertigo Records et produit par Pip Williams. Son titre provient d'une chanson que John Fogerty avait composé pour son deuxième album solo en 1975 et qui fera l'objet d'une reprise et d'un single sur cet album.
On notera que même si l'album se vend bien, les fans sont un peu déçus par l'orientation plus pop rock qui se confirmera sur les albums suivants des années 80 et 90.
Voici la locomotive de l'album, le titre "Rockin' All Over the World" (reprise du titre de John Fogerty), j'ai choisi la version live à Wacken 2017 car ça déménage bien.
Whatever you want (1979)
Whatever you want est le douzième album studio du groupe.
Deux singles seront tirés de cet album, "Whatever You Want" (No. 4 des charts UK) le 14 septembre 1979 et "Living on an Island" (No. 16 des charts UK) le 16 novembre 1979.
L'album se classera à la troisième position des charts britanniques et sera certifié disque d'or au Royaume-Uni, en France et aux Pays-Bas. Des titres hard rock cohabitent avec des ballades plus pop.
Le morceau "Whatever you want" a été écrit par le guitariste Rick Parfitt et le claviériste Andrew Bown qui se sont saoulés en l'écrivant. Après avoir écrit la chanson, Bown a monté son travail à l'étage afin de le rendre plus "Status Quo" en supprimant quelques accords, n'en laissant que deux pendant les couplets. Il est redescendu et a affirmé: "Je pense que je l'ai fait!"
Francis Rossi affirme qu'il n'a jamais vraiment été très satisfait de son solo de guitare sur le morceau.
Cet air a été utilisé à toutes les sauces par la publicité et on peut le comprendre car le refrain est entêtant.
Voici le clip officiel du morceau.
In The Army Now (1986)
Voici le 17ème album du groupe. Il appartient à la période pop, beaucoup moins intéressante pour les fans.
Le seul morceau qui présente un intérêt sur cet album est le titre éponyme "In The Army Now" qui est une reprise du duo néerlandais Rob et Ferdi Bolland .
"In The Army Now" est certainement un des titres les plus connus de Status Quo, et pratiquement le seul que l'on entend encore de nos jours sur les radios. Je trouve cela dommage, d'autant plus que même si on peut lui reconnaître des qualités mélodiques, ce titre n'est pas représentatif du style habituel du groupe.
La meilleure façon de décrire "In the Army Now" est de comprendre l'approche sarcastique des paroles qui parlent de jeunes qui veulent rejoindre l'armée américaine.
Le titre a été écrit en 1981, lorsque les souvenirs de la guerre du Vietnam étaient beaucoup plus frais qu'ils ne le sont aujourd'hui. Et à peu près dès le début, il présente l'armée américaine comme une organisation trompeuse.
Les jeunes enrôlés sont assurés que leur service ne consistera en rien de plus qu'à "rester au lit toute la journée". Cerise sur le gâteau, en rejoignant l'armée, ils seront considérés comme "le héros de leur quartier".
Dans la réalité ces jeunes seront appelés à "se lever et à se battre" et même à tuer d'autres êtres humains. Et ceci en dépit du fait que la situation dans son ensemble "ne semble pas juste".
Voici la version live à Wacken en 2017.
Les albums qui suivront dans les années 80 et 90 seront pour la plupart insipides, Status Quo versant dans un style pop et perdant toute l'énergie du style qui avait fait sa réputation.
On pourra noter en 2003 la sortie de l'album "Riffs" qui présente l'intérêt de contenir des reprises de morceaux mis à la sauce Status Quo tels que "Born to be wild" ou "On the road again".
Il faudra attendre 2011 pour assister au renouveau et pour ainsi dire la renaissance du groupe avec le superbe album "Quid Pro Quo", certainement un des meilleurs album du Quo toutes périodes confondues.
Quid Pro Quo (2011)
En mai 2011, Status Quo sort son vingt-neuvième album studio "Quid Pro Quo".
L'album a fait ses débuts à la 10ème place des charts britanniques et comprend 14 nouvelles chansons, ainsi que la version 2010 de leur tube de 1986 "In the Army Now", qui a été réenregistré en soutien aux œuvres caritatives "Help for Heroes" et "British Forces Foundation".
Le single "Rock 'n' Roll 'n' You" est initialement sorti en téléchargement gratuit sur le site officiel du groupe et a été inclus dans la playlist "A" de BBC Radio 2 à partir du 14 mai 2011.
L'album fut "Album Of The Week" de BBC Radio 2 pour la semaine commençant le 28 mai 2011. En France, il ne se classa qu'à la 157ème place, le public français aurait-il oublié Status Quo?
Comme j'adore cet album j'ai sélectionné pas moins de 5 titres extraits.
Voici le clip de "Two Way Traffic", une chanson qui parle du monde dans lequel on vit et où règne la loi de la jungle: "Et c'est une circulation à double sens dans une rue à sens unique".
Voici la version audio de "Dust to Gold".
Voici la version audio de "Frozen Hero", une autre chanson sur la vie de fou que l'on vit dans les villes.
Voici le clip vidéo de "Rock 'n' Roll 'n' You", qui dit que l'on a uniquement besoin de "12 bar blues" (le "blues à 12 mesures" que Status Quo utilise le plus fréquemment).
On termine avec le clip de "Let's Rock", du bon vieux rock comme on aime!
Bula Quo! (2013)
Bula Quo est le trentième album studio et le premier album d'une bande originale de film du groupe. Il est sorti le lundi 10 juin 2013. C'est le dernier album de Status Quo enregistré avec le batteur Matt Letley, qui a annoncé son départ du groupe avant la sortie de l'album.
Il s'agit d'un double album sorti en même temps que le long métrage du même nom, et il présente de nombreuses chansons de ce film.
L'album contient neuf nouvelles chansons et, sur son deuxième disque, des enregistrements en studio de quatre de leurs chansons précédemment publiées.
"Living on an Island" est un remake dans un style fidjien (en accord avec l'ambiance du film), tandis que "Rockin' All Over the World" figure dans une version spéciale éditée. Deux autres enregistrements en studio, "Frozen Hero" et "Reality Check", ont été extraits de l'album précédent, Quid Pro Quo (2011).
L'album comprend également des versions live de six autres chansons précédemment publiées, couvrant toute la carrière du groupe, telles que "Pictures of Matchstick Men" de leur premier album, "Picturesque Matchstickable Messages from the Status Quo" (1968) ou "Beginning of the End" (extrait de l'album de 2007 "In Search of the Fourth Chord").
Il s'agit d'un excellent album, dont voici quelques extraits.
Le titre "Looking out for Caroline" est un clin d’œil au titre "Caroline" de l'album "Hello!", en voici le clip vidéo.
Voici le clip de "GoGoGo", un bon gros rock solide.
Voici la version audio de "Mystery Island", une chanson des îles bien mièvre ... mais je pense qu'il faut la prendre au second degré!
Ensuite, Status Quo sort deux albums acoustiques: Aquostic (Stripped Bare) en 2014 et Aquostic II - That’s A Fact! en 2016. Il s'agit de la dernière prestation du regretté Rick Parfitt.
Backbone (2019)
Backbone est le 33ème album du groupe et le dernier en date.
C'est le premier album sorti par le groupe depuis la mort du guitariste rythmique Rick Parfitt, qui figurait sur tous les albums précédents de Status Quo.
Parlant de l'album dans un communiqué de presse, le leader Francis Rossi a exprimé à la fois sa fierté du contenu et sa tristesse concernant l'absence de Parfitt, déclarant:
"Ce nouveau matériel devait être vraiment bon. Quo a tant accompli et signifiait tant pour tant de gens, pour que la qualité ne diminue pas maintenant [...] Perdre Rick était difficile à supporter mais, grâce à Richie Malone, qui a été inspiré par lui pour reprendre la guitare, nous pouvons non seulement continuer, mais aussi accélérer le rythme. Il a conclu : "Je n'étais pas sûr d'avoir un autre album en moi mais je ne pourrais pas être plus fier de Backbone ."
Et je partage son jugement, car il s'agit à nouveau d'une pépite. Je vous propose de terminer en beauté avec trois extraits de cet album.
Voici le clip officiel du titre éponyme "Backbone".
On continue avec la version audio de "Waiting for a Woman", une chanson humoristique sur un homme qui attend sa femme qui fait des achats de vêtements!
On termine avec le clip officiel de "Liberty Lane".
Pendant plus de 35 ans Händel consacra son temps à l'opéra italien. Mais parce que les succès n'étaient pas toujours au rendez-vous et que l'occasion s'est présentée, il a mis au point l'oratorio en anglais et il en est devenu le maître incontesté.
C'est certainement dans l'oratorio que l'on trouve les plus belles pages de Handel, et même si on trouve de très belles choses dans les autres domaines, je garde une petite préférence pour celui-ci.
Un des objectifs de ce dernier article consacré à Handel est de vous montrer qu'il n'y a pas que le Messie, et que Handel a été capable de créer d'autres pièces fabuleuses, notamment les arias et les chœurs dont lui seul avait le secret.
Je vous propose ma sélection des oratorios de Handel. Pour chaque oratorio, j'ai choisi de vous faire écouter l'ouverture et les extraits les plus fameux. Les oratorios sont classés par ordre de création.
Il Trionfo del Tempo e del Disinganno HWV 46a (1707)
"Il Trionfo del Tempo e del Disinganno" ("Le triomphe du Temps et de la Désillusion") est à la fois le premier et le dernier oratorio de Handel.
En effet, Handel compose en 1707 une première mouture de cet oratorio sur un texte en italien du Cardinal Benedetto Pamphili. En 1737, alors que l'opéra londonien était en crise et que Handel cherchait un domaine musical alternatif, il remania et augmenta son oratorio qui prit alors comme nouveau titre "Il Trionfo del Tempo e della Verita". A partir de cette époque Handel allait composer un oratorio par an jusqu'en 1751 et la composition de Jephtha, construisant un édifice musical inégalé.
Enfin, en 1757, alors qu'il est devenu aveugle, il dicte à son disciple John Christopher Smith la dernière mouture de cet oratorio. Dans le même temps, le librettiste Thomas Morell traduit et adapte le texte en anglais. Cette dernière version prendra pour nom "The Triumph of Time & Truth".
Cet oratorio met en scène quatre personnages allégoriques: la Beauté, le Plaisir, le Temps et la Désillusion. La Beauté, qui a juré fidélité au Plaisir, est bientôt rappelée à l'ordre par le Temps et par la Désillusion. Après moult atermoiement, la Beauté fera volte face, et se détournera du "miroir trompeur", pour rejoindre le "miroir du vrai" que lui tendent la Désillusion et le Temps.
Il s'agit donc d'une fable morale, et si le livret est faible, il permet à Handel de déployer une musique spontanée et foisonnante, qui constitue déjà un premier chef-d'oeuvre dans le domaine.
Au disque, j'ai sélectionné la version dirigée par Emmanuelle Haïm à la tête du Concert d'Astrée. On les retrouve ici dans la sonate qui fait office d'ouverture, dans un clip d'une grande modernité.
On continue avec les airs "Voglio tempo per risolvere", "Il bel pianto" et "Tu del ciel" interprétés par Natalie Dessay, dans le rôle de la Beauté (la vidéo est de qualité médiocre, mais l'audio et l'interprétation sont de grande qualité).
On termine avec les deux derniers airs de l'oratorio "Pure del cielo intelligenze eterne" & "Tu del ciel ministro eletto" interprétés par Sabine Devieilhe dans le rôle de la Beauté, accompagnée par l'ensemble Pygmalion dirigé par Raphaël Pichon.
La Resurrezione HWV 47 (1708)
Le principal bienfaiteur romain de Handel était le marquis Francesco Maria Ruspoli (1672-1731), qui en 1708 fut fait prince de Cerveteri par le pape Clément XI.
Le marquis, qui avait soudain hérité d’une immense fortune, se fit à partir de 1705 l’ardent mécène et hôte de divertissements musicaux. Entre 1707 et 1721, il mit ses jardins sur l’Esquilin à la disposition des réunions de l’Académie de l’Arcadie, cercle littéraire et artistique dont il était membre. Bon nombre des cantates de chambre italiennes de Handel furent composées pour ces occasions.
À partir de 1707, Ruspoli organisa des exécutions d’oratorios et de cantates chez lui le dimanche pendant le carême. Sa saison de concerts du carême 1708 comprenait principalement des œuvres d'Alessandro Scarlatti et de Handel.
La culmination de cette saison de concerts chez Ruspoli arriva le dimanche de Pâques, 8 avril 1708, avec le nouvel oratorio de Handel, "La Resurrezione di Nostro Signor Gesù Cristo". Le livret de "La Resurrezione" était de Carlo Sigismondo Capece, secrétaire de Maria Casimira, reine catholique exilée de Pologne. Capece, membre de l’Académie de l’Arcadie, était un influent librettiste d’opéra.
L’action prend place deux jours consécutifs, alternant deux histoires : une qui commence avec un ange qui arrive aux portes de l’enfer pour annoncer la victoire du Christ sur l’arrogant Lucifer, lequel ange conduit ensuite la "descente aux enfers", où les âmes des justes, menées par Adam et Ève, sont libérées de leur esclavage.
La seconde se situe à Jérusalem, où Marie Madeleine et Marie Cléophas, affligées, retrouvent l’espoir lorsque saint Jean l’Évangéliste leur rappelle la promesse du Christ de revenir auprès d’elles le troisième jour. Le dimanche de Pâques au matin, l’ange vainc Lucifer impuissant en lui montrant les deux Marie qui se rendent sur la tombe vide, puis il apparaît aux femmes pour proclamer la Résurrection du Christ.
Après la composition de "La Resurrezione", Handel n’était plus simplement un organiste allemand prometteur, mais s’était épanoui en un compositeur de premier rang d’une musique italianisante expressive et hardie.
Au disque, je vous propose la version dirigée par Emmanuelle Haïm. En voici l'ouverture.
Voici l'air flamboyant de l'ange interprété par Camilla Tilling, accompagnée d'une trompette.
Voici le duo "Dolci chiodi, amate spine" de Marie Madeleine et Marie Cléophas interprété par Christiane Karg (soprano) et Sonia Prina (contralto). L'orchestre philharmonique de Berlin est dirigé par Emmanuelle Haïm.
Enfin voici l'air de Saint Jean "Caro figlio", interprété par Toby Spence (ténor).
Brockes-Passion HWV 48 (1716)
Après s’être installé définitivement à Londres en 1712, Handel n’a mis en musique des textes allemands
qu’à deux occasions, et les deux fois sur des textes du poète hambourgeois Barthold Heinrich Brockes
(1680-1747).
Le texte qui nous intéresse ici est l’oratorio de la passion "Der für die Sünde der Welt gemarterte und sterbende Jesus" ("Jésus martyrisé et mourant pour les péchés du monde") publié pour la première fois en 1712 et connu sous le nom de "Passion de Brockes" ou plus simplement "Brockes-Passion".
Le texte de Brockes, imprégné d’esprit piétiste, paraphrase librement le récit de la Passion, assemblé à partir des quatre Évangiles, avec ses moments forts d’émotion dramatique (le remords de Pierre, la culpabilité de Judas, l’adieu du Christ à sa mère), complétés par de nombreuses réflexions contemplatives sous forme d’abondantes interruptions du récit par des arias attribuées à la pieuse Fille de Sion et à des Âmes fidèles, sur des textes poétiques aux métaphores frappantes.
Handel et Brockes devaient déjà se connaître depuis l'époque de Halle, et il est possible qu'ils se soient de nouveau rencontrés à Hambourg. Ceci expliquerait pourquoi Handel aurait écrit cette passion sur le texte de Brockes. La partition fut terminée en 1716, et on pense que la première exécution eut lieu en 1719 à Hambourg, il se peut néanmoins qu'elle ait été exécutée avant cela.
Il faut également considérer que ce texte eut un grand succès auprès des compositeurs de l'époque, puisque les compositeurs suivants composèrent également une Brockes-Passion: Telemann, Mattheson, Keiser, Fasch et Stölzel, de plus elle influença Bach pour ses propres passions.
Au disque, j'ai sélectionné la version interprétée par l'ensemble Arcangelo dirigé par Jonathan Cohen, avec notamment Sandrine Piau parmi les solistes.
Voici l'ouverture par Arcangelo.
Voici l'air de la Fille de Sion "Brich, mein Herz" interprété par Elizabeth Watts, accompagnée par l'Academy of Ancient Music dirigée par Richard Egarr.
On termine avec le duo "Soll mein Kind, mein Leben sterben", interprété par Sabine Devieilhe (Marie) et Stéphane Degout (Jésus).
Acis & Galatea HWV 49a (1718)
Acis and Galatea (HWV 49a/49b) n'est pas exactement un oratorio, cette oeuvre est plutôt considérée comme un semi-opéra. Le texte en anglais est de John Gay et il contient des adaptations ou des pages originales d'autres auteurs dont Pope et Hughes, d'après la légende d'Acis et Galatée tirée des Métamorphoses d'Ovide.
Il s'agissait pour Handel de la première oeuvre d'importance écrite sur un texte anglais. L'esprit de la musique est pastoral.
Elle fut probablement écrite et créée à Cannons (où Handel réside alors chez James Brydges, comte de Carnavon, futur duc de Chandos) entre 1718 et 1720, puis représentée officiellement et dans sa version définitive à Londres en 1731.
La légende : Galatée (soprano), une nymphe demi-divine aime le berger Acis (ténor) d'une passion partagée. Leur idylle est empêchée par le cyclope Polyphème (basse), également amoureux de Galatée. Polyphème écrase Acis sous un rocher. Galatée, brisée par la douleur, métamorphose Acis en un ruisseau.
Handel avait déjà traité le sujet dans la sérénade "Aci, Galatea e Polifemo" composée pendant son séjour en Italie, dont il réutilisa une partie dans ses versions ultérieures de l'œuvre.
La même légende avait déjà inspiré Jean-Baptiste Lully en 1686 pour sa pastorale héroïque Acis et Galatée.
Au disque, j'ai sélectionné la version de William Christie, qui s'impose également pour tous les extraits Youtube.
Voici la sinfonia d'ouverture.
On continue avec le duo entre Acis et Galatea (Paul Agnew et Sophie Daneman), "Happy We".
L'air est repris par le chœur.
On termine avec l'air d'Acis "Love sounds th'alarm".
Esther HWV 50a/50b (1718/1732)
Esther est le premier oratorio écrit en anglais et le premier où les chœurs tiennent une telle importance.
Cet oratorio connut deux versions, une première écrite en 1718 ou 1720 (les sources sont discordantes) et il fut probablement représenté, c'est pourquoi on considère en général cette première version (connue sous le numéro HWV 50a) comme un masque. La première exécution eut probablement lieu à Cannons chez le Comte de Carnavon.
Le livret fut écrit par John Arbuthnot et Alexander Pope, d'après la tragédie de Jean Racine inspirée de l'Ancien Testament (Livre d'Esther).
La seconde version d'Esther est probablement la conséquence d'une certaine désaffection du public londonien par rapport à l'opéra italien dont Handel avait été le champion dès 1711 avec Rinaldo. Cette désaffection se manifestait par le succès incroyable de l'opéra satirique de John Gay et Johann Christoph Pepusch, "The Beggar's Opera" ainsi que par la déroute financière, en 1729, de la Royal Academy of Music dont Handel était le principal compositeur. Le besoin de se renouveler se faisait donc sentir.
Esther fut donc reprise le 23 février 1732 dans sa version initiale pour trois représentations privées : le succès rencontré suscita une représentation pirate qui poussa Handel à réviser en profondeur la partition pour en faire un véritable oratorio (HWV 50b) dont la première exécution eut lieu au King's Theatre à Haymarket le 2 mai 1732 et qui devint le prototype de l'oratorio anglais tel que Handel allait en composer pendant le reste de sa carrière.
Au disque, je vous recommande la version dirigée par Christopher Hogwood à la tête de l'orchestre et du chœur de l'Academy of Ancient Music.
Voici l'ouverture dans cette version.
Enfin, voici l'air "Tune your Harps" par Thomas Cooley, tenor; Marc Schachman, hautbois baroque et l'ensemble Voices of Music.
Athalia HWV 52 (1733)
Athalia est le troisième oratorio anglais de Handel après Esther et Deborah.
Sa composition en 1733 répond à une commande pour le Publick Act à Oxford, cérémonie de remise des prix des collèges de cette ville dont l'un proposa à Handel un titre Honoris Causa que, d'ailleurs, il déclina. La première exécution eut lieu le 10 juillet 1733 au Sheldonian Theatre à Oxford.
L'histoire se fonde sur celle de la reine Athalie, personnage de l'Ancien Testament ; comme Esther, ce personnage avait inspiré à Jean Racine une de ses deux dernières tragédies, toutes deux tirées de récits bibliques.
Le grand prêtre Joad et sa femme Josabeth ont élevé Joas, un jeune garçon qui est l'héritier véritable du trône, alors occupé de manière illégitime par Athalia. Athalia, apprenant l'existence du garçon, veut s'en occuper et l'emmener dans son palais, mais celui-ci refuse car il reproche à Athalia ses pratiques païennes d'adoration du dieu Baal.
Joad demande à Joas qui il prendrait pour modèle s'il devait devenir roi. Celui-ci répond que son modèle serait le roi David. Joad et Josabeth le célèbrent alors comme le vrai héritier du trône et démettent le faux prêtre Mathan qui était à la solde d'Athalia.
Mais Athalia ne veut pas reconnaître sa défaite. Bien qu'elle voie que le Dieu de Juda l'emporte et que sa mort est proche, elle reste déterminée à triompher malgré tout. L'oratorio se termine avec un duo entre Joad et Josabeth qui célèbrent les joies que le ciel leur envoie et un chœur final de louanges.
Je recommande la version de Christopher Hogwood à la tête de l'Academy of Ancient Music. Voici l'ouverture par ces interprètes.
On continue avec l'air "Soothing tyrant, falsely smiling" chanté par Emma Kirkby dans le rôle de Josabeth.
Ensuite, voici l'air "Hark! His thunders round me roll" par Anthony Rolfe Johnson dans le rôle de Mathan.
Enfin, voici le finale, le chœur de louanges "Give Glory to his awful name".
Saul HWV 53 (1739)
Handel composa Saul entre juillet et septembre 1738. Il fut représenté le 16 janvier 1739 au King's Theatre de Londres.
Le livret fut écrit par Charles Jennens. C'était le premier oratorio de Handel basé sur un livret de Charles Jennens, cette collaboration se répéta à cinq reprises.
Acte 1: le peuple célèbre la victoire de David sur les Philistins et en particulier contre Goliath. Saul, premier roi d'Israël, a trois enfants: une fille aînée, Mérab, qu'il propose en mariage à David, Jonathan qui offre son amitié à David, et la cadette, Michal, qui tombe amoureuse de lui.
Mérab méprise David qui n'est pas de la même classe sociale et ne veut pas du mariage. Comme les acclamations de la foule vont plus vers David que vers lui-même, Saul finit pas éprouver de la jalousie et demande à son fils Jonathan de le tuer.
Acte 2: Jonathan rappelle à son père les mérites de David. Saul se laisse convaincre et lui propose alors d'épouser Michal. Saul envoie David au combat en espérant qu'il y périsse mais celui-ci revient vainqueur. Saul tente alors de tuer David d'un coup de lance. Saul finit par accuser son propre fils Jonathan de traîtrise et lance contre lui sa lance. Le peuple exprime alors sa réprobation.
Acte 3: Saul part consulter une sorcière qui invoque le prophète Samuel. Il prédit la mort de Saul et de Jonathan vaincus par les Philistins. Un amalécite, ennemi du peuple d'Israël, annonce à David la mort de Saul et Jonathan. Une marche funèbre se fait entendre et le peuple exprime sa tristesse en un chant de douleur. L'oratorio se termine par un chant triomphant à la gloire de David qui devient le nouveau roi.
Au disque, j'ai sélectionné la version dirigée par René Jacobs à la tête du Concerto Köln et RIAS Kammerchor. Voici la symphonie d'ouverture.
Voici "What Do I Hear ?", suivi du chœur "David His Ten Thousands Slew" et de l'air de Saul "With Rage I Shall Start Burst His Praises to Hear".
Ensuite, voici l'air de Mérab: "Capricious Man".
Récitatif "With Me What Would'st Thou" suivi de l'air "Infernal Spirits" (Sorcière).
La marche funèbre.
Le chant de douleur du peuple d'Israël "Mourn, Israël". Une page de toute beauté!
Le chœur final adressé en triomphe à David "Gird on thy sword, thou man of might".
Israël in Egypt HWV 54 (1739)
Israël in Egypt est un oratorio en trois parties. Le texte en anglais est intégralement tiré des Saintes Écritures ; l'oratorio comprend une proportion inusitée de parties chorales. Il y a très peu d'arias et de récitatifs.
Quant à la musique, elle provient de très nombreux emprunts, soit à d'autres compositions de Haendel, soit à des œuvres d'autres musiciens. En fait la première partie de l'oratorio, intitulé "Chant de Moïse", n'est rien d'autre que l'hymne funèbre pour la mort de la reine Caroline "The ways of Zion do mourn".
Il est représenté le 4 avril 1739 au King's Theatre de Londres, peu de temps après Saul. C'est un texte extrait de la Bible du roi Jacques. Il décrit la sortie d'Égypte du peuple d'Israël, les plaies d'Égypte (les grenouilles, la peste, la grêle, etc.), la traversée de la Mer Rouge (avec l'engloutissement des armées du Pharaon) et les hymnes de reconnaissance d'Israël envers son Dieu.
Au disque, j'ai sélectionné la version d'Andrew Parrott. En voici quelques extraits en commençant par la Sinfonia d'ouverture.
Le chœur "Sons of Israël do mourn".
Le chœur, "He gave them hailstones for rain".
Le chœur, "He smote all the first-born of Egypt".
Le duo "The Lord is a man of war".
Le chœur, "The depths have covered them".
Le finale: "Sing ye to the Lord".
L'Allegro, Il Penseroso ed Il Moderato HWV 55 (1740)
L'Allegro, il Penseroso ed il Moderato est une ode pastorale que Handel composa durant l'hiver 1740.
Sa première production eut lieu le 27 février 1740 au Theater in Lincoln's Inn Fields à Londres.
Pendant l'hiver 1740, Londres connut le froid le plus terrible de son histoire ; la Tamise fut complètement gelée pendant plusieurs semaines, et les théâtres durent fermer leurs portes quelque temps. Pour Haendel ce fut une période de crise : c'en était fini de ses grandes années de compositeur d'opéras, – rôle qu'il exerça dès son arrivée à Londres en 1710 – alors que ses plus beaux oratorios feraient leur apparition bien plus tard.
Malgré tout, en l'espace de 17 jours, il créa son œuvre la plus prodigieusement inventive, la plus diversifiée et la plus typiquement anglaise malgré son titre italien, "L'Allegro, il Penseroso ed il Moderato". On en donna cinq représentations au Theater in Lincoln's Inn Fields, et le public y fut attiré avec la promesse d'y trouver un peu de chaleur …
L'Allegro ed il Penseroso, littéralement l'Homme Gai et l'Homme Méditatif, sont les deux pôles de l'esprit humain : l'homme, tel un pendule, oscille d'un côté à l'autre. Bien que les deux caractères soient personnifiés et chantent en aria et en récitatif, ils ne sont pas définis, car ils oscillent entre le soprano, le ténor, et la basse, et ceci afin de clairement marquer les différentes personnifications de l'esprit. Le point essentiel de la troisième partie est de proposer une certaine réconciliation, rationnelle et caractéristique du XVIIIe siècle anglais, en joignant la modération (Il Moderato) à ces deux extrêmes.
Au disque, j'ai sélectionné la version de John Eliot Gardiner.
Je trouve cette oeuvre tellement géniale, que plutôt que de vous proposer des extraits, j'ai décidé de vous faire écouter la version intégrale par Alexis Kossenko dirigeant le Kammerchor der Musikakademie Ljubljana et l'Orchester der Akademie für Alte Musik Bruneck.
L'oratorio dure à peu près 1h10.
Messiah HWV 56 (1741)
Le Messie est l'oeuvre la plus célèbre de Handel et on le doit à l'initiative de son librettiste Charles Jennens:
"Handel dit qu'il ne fera rien l'hiver prochain, mais j'espère le convaincre de mettre en musique un autre recueil d'après les Écritures que j'ai fait pour lui [...] J'espère qu'il y consacrera tout son Génie et son Art, de sorte que la Composition puisse surpasser toutes ses Compositions antérieures, car le Sujet surpasse tout autre sujet. Le Sujet est le Messie." (Charles Jennens, 10 juillet 1741).
Et, en effet, Handel mis environ trois semaines à la fin de l'été 1741 pour composer le Messie. Néanmoins la première exécution n'eut lieu qu'en 1742 à Dublin. Il fallut attendre mars 1743 pour qu'il fut exécuté à Londres, et comme il fut l'objet d'une cabale de dévots qui reprochaient à l'oeuvre d'être trop grandiloquente, elle n'eut pas succès.
Toujours à propos du Messie, je ne résiste pas au plaisir du vous citer, in extenso, un extrait du livre "Les Très Riches Heures de l’Humanité" de Stefan Zweig, dont une nouvelle s’intitule "La résurrection de Haendel":
"Des larmes voilaient le regard de Haendel, tant la ferveur qui troublait son âme était grande. II lui restait encore à lire plusieurs pages, la troisième partie de l’oratorio. Mais après cet "Alleluia !" il n’y tint plus ; ce chant de joie l’emplissait tout entier, montait et grossissait déjà en lui comme un fleuve de feu prêt à déborder. Oh ! comme il l’oppressait, l’étouffait dans sa hâte à vouloir sortir et remonter vers le ciel. Haendel saisit à la hâte une plume et se mit à tracer des notes : les signes s’alignaient avec une rapidité prodigieuse. Il ne pouvait plus s’arrêter. Comme un navire dont la voilure est aux prises avec la tempête, il était emporté toujours plus loin. Autour de lui la nuit était muette ; l’ombre, humide et silencieuse, enveloppait la grande ville. Mais la lumière affluait en lui et dans la pièce retentissait, imperceptible, la musique de l’infini."
La version que je vous recommande est celle dirigée par Emmanuelle Haïm, à la tête du Concert d'Astrée.
Voici la sinfonia d'ouverture.
Air de ténor "Ev'ry valley shall be exalted".
Choeur "And he shall purify".
Air de soprano "Rejoice greatly, o daughter of zion" par Regula Mühlemann dirigée par Alondra de la Parra.
Air d'alto "He was despised" par Jakub Jozef Orlinski.
Choeur "Hallelujah" dirigé par Emmanuelle Haïm (on remarque Lea Desandre au premier plan parmi les choristes féminines).
Air pour basse "The Trumpet shall sound" interprété par Christopher Purves.
Choeur final "Worthy is the lamb that was slain - Amen".
Pour les amateurs je vous propose une version intégrale du Messie dans une version exceptionnelle donnée dans la Grace Cathedral de San Francisco par les American Bach Soloists and Choir dirigés par Jeffrey Thomas.
Samson HWV 57 (1741 ou 1743)
Samson est un oratorio en trois actes, considéré comme l'une de ses plus belles œuvres dramatiques, il est généralement interprété comme un oratorio sous forme de concert, mais à l'occasion, il peut également être mis en scène comme un opéra.
L'histoire est la suivante: Samson, juge d'Israël, a épousé une femme philistine, Dalila, qui a découvert que sa force surnaturelle provenait du fait qu'il ne se coupait jamais les cheveux.
Dalila coupe les cheveux de Samson pendant son sommeil et le livre à son peuple, les Philistins, ennemis des Israélites. Les Philistins capturent Samson et lui crèvent les yeux. La scène se passe devant la prison de Gaza. Comme c'est un jour de fête en l'honneur du dieu philistin, Dagon, Samson est autorisé à sortir de sa cellule de prison, bien qu'enchaîné, et à recevoir des visiteurs.
Pour se venger des Philistins, Samson abat le temple sur lui-même et sur le peuple. Le cadavre de Samson est amené au son d'une marche funèbre et les enfants d'Israël déplorent sa mort. L'ouvrage se termine sur une note d'action de grâce alors que les Israélites louent leur Dieu.
J'ai sélectionné la version dirigée par Leonardo Garcia Alarcon dirigeant le Chœur de Chambre de Namur et le Millenium Orchestra.
Voici l'ouverture.
Air pour ténor "Total Eclipse!" par Aaron Sheehan.
Air de Dalila et sa suivante: "My faith and truth".
Air "Let the bright Seraphim" pour soprano (Rowan Pierce) et trompette (David Blackadder).
Finale.
Semele HWV 58 (1744)
Handel reprend le livret que William Congreve a écrit pour l'opéra Sémélé de John Eccles, et compose la musique en un mois, du 3 juin au 4 juillet 1743.
L'œuvre prend naturellement la forme d'un opéra, mais Haendel voit la possibilité de la donner pendant la série de concerts de carême du théâtre royal en février 1744, sachant que cette série lui assurerait la création de l'œuvre et un cachet.
Il adapte donc cette dernière pour la présenter "à la manière d'un oratorio". En 1760, dans sa biographie de Handel, John Mainwaring indiquera "Semele est un opéra anglais, mais appelé oratorio, et exécuté en tant que tel."
L'histoire de Semele est celle de ses amours avec Jupiter. Trompée par Junon, elle demande à Jupiter de se montrer tel qu'il est, et non en simple humain. Malheureusement, elle ne sait pas qu'un mortel ne peut soutenir la vision du dieu, et Semele meurt brûlée par ses éclairs. Apollon annonce qu'un phénix naîtra des cendres de Semele.
J'ai choisi la version dirigée par John Eliot Gardiner.
Voici l'ouverture.
Air "Where'er you walk" avec Robert Murray (Jupiter) et Heidi Stober (Semele).
Air "Myself I shall adore" par Louise Alder.
Et le finale: "Happy, happy we shall be".
Judas Maccabeus HWV 63 (1746)
Judas Maccabæus, en français Judas Maccabée, est un oratorio en trois actes composé en 1746 sur un livret en anglais du Révérend Thomas Morell. L'argument est tiré de l'histoire de Judas Maccabée, héros biblique de la révolte des israélites contre l'Empire séleucide.
L'oratorio a été composé (du 9 juillet au 11 août 1746) pour célébrer la victoire, le 16 avril, du prince William Augustus, duc de Cumberland, le second fils du roi George II de la Maison de Hanovre sur les forces jacobites de Charles Édouard Stuart, prétendant à la couronne d'Angleterre, à la bataille de Culloden.
Haendel avait composé, au début de l'année, et de façon anticipée pour la même circonstance, l’Occasional Oratorio. Judas Maccabæus fut créé le 1er avril 1747 au Haymarket.
Voici le résumé de l'argument:
Acte I
Le peuple israélite se lamente de la mort de son chef Mattathias, mais le fils de ce dernier tente de ranimer leur foi et les appelle aux armes (Arm, arm, ye brave). Le frère de Simon, Judas, s'impose comme chef et fait renaître parmi le peuple les idéaux de liberté et de victoire grâce à la puissance de Yahvé.
Acte II
Les israélites sont revenus victorieux, mais Judas s'inquiète de la vanité du peuple, qui pourrait s'attribuer le mérite de cette victoire. Lorsque parvient la nouvelle que le chef séleucide Gorgias est en train de préparer la revanche, le peuple hébreu passe de la joie de la victoire à la déception et à l'abattement. A nouveau, Judas réveille son peuple (Sound an alarm) et insiste pour que les autels des idoles soient détruits et que les fausses religions soient bannies.
Acte III
La victoire est finalement acquise par les hébreux (See, the Conqu'ring Hero Comes !). Alors arrive la nouvelle que Rome veut nouer une alliance avec Judas contre l'Empire séleucide. Le peuple se réjouit de ce que la paix a fini par revenir dans leur pays (O lovely peace).
Au disque, j'ai sélectionné la version dirigée par Rolf Beck, avec dans la distribution la soprano Nuria Rial.
Voici l'ouverture.
Choeur "Mourn, ye afflicted children".
Voici le très beau chœur "See, the conqu'ring hero comes". A noter que le thème en fut repris par Beethoven pour ses 12 variations sur un thème de Handel.
Voici le finale "Rejoice, o Judah ... Hallelujah, Amen".
Solomon HWV 67 (1749)
Haendel a composé Solomon entre le 5 mai et le 13 juin 1748. La première a eu lieu le 17 mars 1749 au théâtre royal de Covent Garden de Londres sans y rencontrer le succès escompté.
Il y a eu trois exécutions durant cette saison puis deux autres en 1759 dans une version largement tronquée quelques jours avant la mort du compositeur.
Le livret se base essentiellement sur les Livres des Rois et le Livre des Chroniques, et en ce qui concerne la visite de la Reine de Saba, sur les Antiquités judaïques de l'historiographe romain et juif Flavius Josèphe.
Chaque acte évoque un événement différent de la vie de Solomon:
L'acte 1 parle de l'édification du temple de Jérusalem
L'acte 2, du jugement de Salomon
L'acte 3, de la rencontre avec la reine de Saba
J'ai sélectionné la version de Paul McCreesh à la tête des Gabrieli Consort & Players.
Voici l'ouverture.
Chœur "Your harps and cymbals".
Voici la célèbre symphonie de l'acte 3 intitulée "Arrival of the Queen of Sheba" ("Arrivée de la reine de Saba").
Finale: "The Name of the Wicked".
Theodora HWV 68 (1750)
Theodora est un oratorio en trois actes composé en 1749 sur un livret de Thomas Morell, et créé le 16 mars 1750, au Théâtre royal de Covent Garden à Londres.
L'argument est fondé sur l'histoire, parfois considérée comme légendaire, de la martyre chrétienne Théodora pendant les persécutions de l'Empire Romain.
Haendel composa Theodora durant la dernière partie de sa carrière. Il était âgé de soixante-quatre ans lorsqu'il débuta la composition en juin 1749. Il avait composé les oratorios Solomon et Susanna l'année précédente. Theodora sera son pénultième oratorio.
Theodora se distingue des deux oratorios précédents par son caractère tragique, et sa fin mettant en scène la mort de l'héroïne et de l'amoureux converti. C'est le seul oratorio hagiographique de Haendel, mais aussi le seul oratorio dramatique de Haendel en langue anglaise consacré à un sujet chrétien.
J'ai choisi la version de Paul McCreesh à la tête des Gabrieli Consort & Players.
Voici l'ouverture.
Air "Angels ever bright and fair" (Theodora) par Stefanie True et l'ensemble Voices of Music.
Air "Lord, to thee" par Elisabeth Kulman.
Chœur "How strange their ends" par Emmanuelle Haïm.
Choeur final "O love divine".
Jephtha HWV 70 (1752)
Jephtha fut le dernier oratorio composé par Handel en 1751 sur un livret en anglais du Révérend Thomas Morell d'après le Livre des Juges et Jephthes sive Votum (1554) de George Buchanan.
La première représentation eut lieu en concert au théâtre Covent Garden de Londres le 26 février 1752.
L'oratorio raconte l'histoire de Jephtha, commandant des armées Israélites contre les ennemis Ammonites. Afin de se ménager les bonnes grâces de Dieu, il fait un marché avec lui: s'il lui apporte la victoire il lui sacrifiera la première personne qui viendra l'accueillir après le combat.
Jephtha est victorieux, mais la première personne qui l'accueille n'est autre que sa propose fille Iphis. Il doit sacrifier sa fille, qui est elle-même prête à mourir.
Jephtha prie pour le salut de sa fille. Juste avant le sacrifice, un ange apparaît et délivre la parole de Dieu: Iphis n'aura pas besoin de mourir. Elle devra juste vivre pure et vierge toute dédiée à Dieu. Jephtha bénie le nom du Seigneur.
Au disque, j'ai choisi la version dirigée par Harry Christophers à la tête de l'ensemble The Sixteen.
Voici l'ouverture.
Chœur "How dark, o Lord, are thy decrees".
Air "Waft her, angels" par James Gilchrist dans le rôle de Jephtha.
Chœur final: "Ye house of Gilead, with one voice".
The Triumph of Time and Truth HWV 71 (1757)
Voici enfin la dernière mouture de ce qui est à la fois le premier et le dernier oratorio de Handel.
La troisième mouture ré-écrite sur un texte anglais s'intitule "The Triumph of Time and Truth".
Même si l'oratorio Jephtha est considéré comme le dernier véritable oratorio composé par Haendel, cette troisième version d'une œuvre composée pendant sa jeunesse est encore postérieure.
La cantatrice Isabella Young a créé le rôle de Counsel (la Vérité, transformation du personnage initial de la Désillusion).
Il sera donné pour la dernière fois à Covent Garden en 1758.
Au disque, j'ai choisi la version de l'ensemble Ludus Baroque, dirigé par Richard Neville-Towle.
Youtube nous fournit une compilation des meilleurs extraits de cette oeuvre dans cette même version, la voici donc.
