vendredi 24 janvier 2025

Olivier Messiaen

 

Olivier Messiaen



Olivier Messiaen


Olivier Messiaen, né le 10 décembre 1908 à Avignon et mort le 27 avril 1992 à Clichy (Hauts-de-Seine), est un compositeur, organiste et pianiste français.

Les principales caractéristiques de sa musique sont la couleur, les chants d’oiseaux (il était également ornithologue), les rythmes, en particulier les rythmes hindous, les modes à transposition limitée, l'inspiration chrétienne et la métrique grecque. 

Il est un des principaux initiateurs de la musique sérielle. Citons parmi ses principales œuvres: L'Ascension (1933), le Quatuor pour la fin du Temps (1940), les Vingt Regards sur l'Enfant-Jésus (1944), la Turangalîla-Symphonie (1946-48), Saint François d'Assise (1975-79) et Eclairs sur l'Au-Delà (1987).

Il est considéré comme un des plus influents compositeurs de la seconde moitié du XXème siècle. 

Grand pédagogue, il a enseigné la composition à un nombre très important de compositeurs parmi lesquels Pierre Boulez, Karlheinz Stockhausen, Iannis Xenakis, Tristan Murail, ou George Benjamin.

Les accords musicaux faisaient l'objet pour lui d'une synesthésie avec les couleurs, ce qui a largement influencé son art, comme il en a lui-même témoigné.

J'ai constitué une playlist chronologique à partir d'une sélection d'une vingtaine d'œuvres parmi lesquelles on retrouve, entre autres, le Quatuor pour la fin du temps et la Turangalîla-Symphonie, pour piano solo, ondes Martenot et grand orchestre.

Voici les liens vers la playlist.

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D'autre part, j'ai sélectionné quelques œuvres remarquables du compositeur.


1933 - L'Ascension



L'Ascension est une œuvre pour orchestre d'Olivier Messiaen écrite en 1932 et 1933. Elle précède une autre version écrite pour l'orgue.

Elle a pour sous-titre : Quatre méditations symphoniques pour orchestre. Il s'agit de quatre méditations sur des textes sacrés dont, selon Claude Rostand, le compositeur semblait préférer la présentation symphonique.

Les quatre mouvements sont:
  1. Majesté du Christ demandant sa gloire à son Père: Choral de cuivres et bois. « Père, l'heure est venue, glorifie ton Fils, afin que ton Fils te glorifie » (Évangile selon Saint-Jean, chap.17, verset 1). Cette page majestueuse est confiée, dans la version symphonique, aux seuls instruments à vent.
  2. Alléluias sereins d'une âme qui désire le ciel: En exergue, l'oraison de la messe de l'Ascension : "O Dieu, nous croyons que votre Fils unique est monté au ciel, accordez-nous d'y habiter nous-mêmes en esprit". L'écriture est assez différente dans les deux versions : à l'orchestre, Messiaen enrichit la texture du morceau et adopte des combinaisons instrumentales somptueuses.
  3. Alléluia sur la trompette, alléluia sur la cymbale: "Le Seigneur est monté au son de la trompette...Nations, frappez toutes des mains; célébrez Dieu par des cris d'allégresse" (Psaume 46). La troisième pièce est tout à fait différente dans les versions pour l'orgue et pour orchestre. Dans celle-ci l'auteur a composé une sorte de scherzo simple, lumineux et joyeux.
  4. Prière du Christ montant vers son père: Choral de cordes. "Père, ...j'ai manifesté ton nom aux hommes...Voici que je ne suis plus dans le monde; mais eux sont dans le monde, et moi je viens à toi" (Évangile selon Saint-Jean, chapitre 17, versets 1,6,11). C'est une pièce d'une douce et profonde solennité que Messiaen a rendue, à l'orchestre, en des combinaisons confiées aux seules cordes, les premiers violons ayant la sourdine.
Au disque, j'ai sélectionné la version dirigée par Myung-Whun Chung qui est un excellent interprète de Messiaen.

Sous YouTube, je vous propose la version du Frankfurt Radio Symphony dirigé par Maxime Pascal.




1940 - Quatuor pour la fin du temps



Le quatuor pour la fin du temps est certainement l'œuvre la plus magique de Messiaen. Pour violon, clarinette en si bémol, violoncelle et piano, il introduit des sonorités inédites et envoûtantes.

Le quatuor a été écrit alors que Messiaen était en détention au Stalag VIII-A, à Görlitz (situé sur la frontière actuelle germano-polonaise) en 1940. 

L'œuvre y fut présentée pour la première fois le 15 janvier 1941 par Étienne Pasquier (cofondateur auparavant, en 1927, avec ses deux frères, du Trio Pasquier) au violoncelle, Jean Le Boulaire au violon, Henri Akoka à la clarinette et Olivier Messiaen lui-même au piano devant un auditoire de 400 personnes.

Près de six mois plus tard, les musiciens ont été libérés et rapatriés en France. Étienne Pasquier et Olivier Messiaen rejouèrent l'œuvre peu après au théâtre des Mathurins à Paris, avec, cette fois-ci, André Vacellier à la clarinette (Akoka devant fuir les persécutions anti-juives) et Jean Pasquier au violon. 

L'œuvre est en huit mouvements:
  • I. Liturgie de cristal
  • II. Vocalise, pour l'Ange qui annonce la fin du temps
  • III. Abîme des oiseaux
  • IV. Intermède
  • V. Louange à l'Éternité de Jésus
  • VI. Danse de la fureur, pour les sept trompettes
  • VII. Fouillis d'arcs-en-ciel, pour l'Ange qui annonce la fin du temps
  • VIII. Louange à l'Immortalité de Jésus
La durée d'exécution est approximativement de cinquante minutes.

Au disque, je recommande la version de Raphaël Sévère, clarinette et du Trio Messiaen.

Sous YouTube, j'ai sélectionné la version interprétée par Antje Weithaas, violon, Sol Gabetta, violoncelle, Sabine Meyer, clarinette et Bertrand Chamayou, piano.




1944 - Vingt regards sur l'enfant Jésus


Vingt Regards sur l’Enfant-Jésus est une œuvre pour piano composée en 1944. Il s'agit certainement de l'une des pièces pour piano seul les plus célèbres du répertoire contemporain.

La pièce fut créée Salle Gaveau à Paris le 26 mars 1945 par Yvonne Loriod, pianiste à laquelle l'œuvre est dédiée. Elle dure près de deux heures et se compose de vingt pièces.

Note de l'auteur : Contemplation de l'Enfant-Dieu de la crèche et regards qui se posent sur Lui : depuis le Regard indicible de Dieu le Père jusqu'au Regard multiple de l'Église d'amour, en passant par le Regard inouï de l'Esprit de joie, par le Regard si tendre de la Vierge, puis des Anges, des Mages et des créatures immatérielles ou symboliques (le Temps, les Hauteurs, le Silence, l'Étoile, la Croix).

Je recommande la version interprétée par Bertrand Chamayou. Voici en extrait la onzième pièce: Première communion de la Vierge.





1946 - Turangalîla-Symphonie




Il s'agit d'une œuvre sur l'amour et la mort, dans la lignée du mythe de Tristan et Yseult.  Turanga et Lîla sont deux mots en sanscrit, et la traduction de Turangalîla peut être « chanson d'amour, hymne de joie, mouvement, rythme, vie et mort ».

C'est une sorte de symphonie concertante dans laquelle le piano et les ondes Martenot jouent un grand rôle, ainsi que les fanfares de cuivres (Messiaen y fait appel à un grand nombre de trompettes) et les percussions, dont l'instrumentarium est impressionnant: triangle, temple-block, wood-block, petite cymbale turque, cymbales, cymbale chinoise, tam-tam, tambour, tambour de basque, maracas, tambour provençal, caisse claire, grosse caisse, vibraphone et huit cloches tubulaires !

L'originalité de cette symphonie réside principalement dans une orchestration très riche et chatoyante, la musique en reste très mélodique, la partie de piano est très virtuose, presque percussive par moments et utilise le résultat des recherches de Messiaen à l'époque sur les hauteurs et les intensités. Enfin, les ondes Martenot y ajoutent leur part de mystère.

Au disque, j'ai choisi l'interprétation de Myung-Whun Chung à la tête de l'Orchestre de la Bastille.

Sous YouTube, j'ai choisi l'interprétation superlative donnée par Gustavo Dudamel à la direction du Simon Bolivar Orchestra, avec en solistes Yuja Wang, piano et Cynthia Millar, ondes Martenot. 

Ecoutez ne serait-ce que le mouvement intitulé "Joie du Sang des Étoiles", par moments on dirait presque du jazz, et quelle virtuosité, c'est un vrai régal !






1975 - Saint-François d'Assise



Saint François d'Assise, sous-titré Scènes Franciscaines, est un opéra en trois actes et huit tableaux, dont la composition est commencée en 1975 et achevée en 1983. 

L'histoire s'inspire de la vie du franciscain François d'Assise au XIIIe siècle, qui fonde et donne son nom à un ordre religieux, canonisé et connu pour son assistance aux lépreux et représenté régulièrement parlant aux oiseaux.

Saint François d'Assise est un long ouvrage lyrique en français d'une durée d'environ quatre heures qui nécessite un effectif conséquent pour le mettre en place. 

Olivier Messiaen considère son ouvrage comme la synthèse de ses découvertes musicales et représente à la fois son intérêt pour l'ornithologie et l'expression de sa « foi catholique ». 

Il déclare en 1985 que son opéra est un « immense acte de foi » tout autant qu'un hommage à la "sainteté incarnée par François" d'Assise. 

Y ayant insufflé tous les mystères de sa propre foi, Olivier Messiaen déclare le soir de la première qu'il se sent vide, ayant finalement tout exprimé en tant que compositeur et annonce qu'il ne composerait plus jamais. Néanmoins, il composera encore jusqu'en 1991.

J'ai sélectionné un extrait du Deuxième Acte - "Frères oiseaux, en tous temps et lieux" interprété par José van Dam sous la direction de Kent Nagano.





1987 - Eclairs sur l'Au-Delà



Éclairs sur l'Au-Delà… est une œuvre en onze parties, pour très grand orchestre, composée entre 1987 et 1991. 

C'est une commande du New York Philharmonic Orchestra pour son 150e anniversaire.

L'œuvre a été créée par l'orchestre commanditaire le 5 novembre 1992 à New York sous la direction de Zubin Mehta, six mois après le décès du compositeur.

Il s'agit du testament musical d'Olivier Messiaen, achevé peu avant sa mort. 

Sans doute le pressentait-il, car cette œuvre aux dimensions imposantes reprend et synthétise à peu près toutes les caractéristiques de son langage, en des termes profonds, calmes et apaisés. 

L'orchestre est impressionnant : pas moins de 128 musiciens, avec, outre une large formation instrumentale classique, l'utilisation de toutes sortes de percussions (crotales, glockenspiels, marimbas, xylophones, xylorimbas, cloches tubulaires, éoliphone, réco-réco, gongs, fouets, tams-tams, etc.).

Le propos est, comme souvent chez Messiaen, lié à son profond sentiment chrétien et l'œuvre est entièrement tournée vers le recueillement et la prière.

Au disque, je recommande la version dirigée par Myung-Whun Chung.

Sous YouTube, je vous propose la version du SWR Symphonieorchester dirigé par Ingo Metzmacher.

Voici le découpage en temps des 11 parties:
  • 0:00:03 I. Apparition du Christ glorieux
  • 0:05:54 II. La constellation du Sagittaire
  • 0:12:04 III. L'oiseau-lyre et la Ville-fiancée
  • 0:16:32 IV. Les élus marqués du sceau
  • 0:18:40 V. Demeurer dans l'Amour …
  • 0:29:32 VI. Les sept Anges aux sept trompettes
  • 0:35:20 VII. Et Dieu essuiera toute larme de leurs yeux …
  • 0:39:02 VIII. Les Étoiles et la Gloire
  • 0:51:20 IX. Plusieurs oiseaux des arbres de Vie
  • 0:54:20 X. Le chemin de l'Invisible
  • 0:58:14 XI. Le Christ, lumière du Paradis
  • 1:06:32 Applaudissements 

















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jeudi 23 janvier 2025

Agathe Backer Grøndahl

 

Agathe Backer Grøndahl


Agathe Backer Grøndahl


Agathe Ursula Backer Grøndahl, née le 1er décembre 1847 à Holmestrand et morte le 4 juin 1907 à Ormøya, est une pianiste et une compositrice norvégienne.

Agathe Backer Grøndahl a composé au total environ 400 morceaux répartis en 70 numéros d'opus, et demeure l'un des personnages principaux de la scène musicale norvégienne. Elle est surtout connue pour ses chants et par des œuvres au piano d'une grande finesse qu'elle exécutait dans toute l'Europe.

Une profonde amitié la lie au compositeur Edvard Grieg et à sa femme : Nina Hagerup Grieg avec laquelle elle interprète ses propres mélodies. 

Pianiste de renommée mondiale, elle participe par ailleurs activement à la diffusion de l'œuvre pour piano de Grieg et notamment de son Concerto pour piano lors de ses différentes tournées en Europe.

On notera au passage qu'elle a une sœur célèbre dans le domaine de la peinture: Harriet Backer, à laquelle le musée d'Orsay a consacré une exposition du 24 septembre 2024 au 12 janvier 2025. Celle-ci s'est toujours intéressée à la musique et a longtemps accompagné sa sœur dans ses tournées. Elle a d'ailleurs consacré de nombreuses peintures à la musique et au piano en particulier.

Dans un premier temps, je vous propose une playlist consacrée à la musique pour piano et aux mélodies de la compositrice.

Voici les liens vers la playlist.

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Ensuite, je vous propose une sélection des meilleurs albums consacrés à la compositrice.


Sara Aimée Smiseth - Backer Grøndahl: Piano Works



J'ai tout d'abord sélectionné ce superbe album interprété par la pianiste norvégienne Sara Aimée Smiseth.

Sara est une importante communicatrice de la musique classique et l'une des plus grandes expertes norvégiennes de la compositrice et pianiste Agathe Backer Grøndahl. 

Elle apparaît régulièrement à la radio, effectue un travail de sensibilisation musicale pour l'Opéra et le Ballet norvégiens et l'Orchestre philharmonique d'Oslo, et a dirigé le public à travers un certain nombre de grands événements en tant que présentatrice de concerts, notamment à l'Aula de l'Université d'Oslo et sur la scène de l'Opéra d'Oslo.

J'ai sélectionné trois extraits de cet album.

Voici la Sérénade, extraite de trois morceaux Op. 15. Un air plein de charme et de délicatesse, magnifié par la douceur du touché de l'interprète.


Voici Fanitullen (Le fantaisiste), une pièce enjouée qui semble tout droit sortie du folklore norvégien.


Voici "Huldreslaat" ou "Huldreslåt", un morceau puisé dans le folklore nordique. 

"Huldreslåt" ("La chanson de la Huldra") porte sur l’être féminin de la forêt, la huldra (ou huldre). Cet être peut parfois prendre la forme d’un vieux troll très laid ou plus souvent d’une belle jeune femme, mais qui a toujours quelque chose d’étrange : elle porte une queue de vache ou parfois son dos est semblable à un tronc d’arbre. Comme souvent avec ces êtres du folklore, la huldra peut, si elle le veut, aider les hommes perdus dans la forêt ou au contraire leur faire perdre leur chemin…

Le morceau, un peu chaloupé, est plein d'humour !



Geir Henning Braaten - Backer Grøndahl: Piano Music



Geir Henning Braaten (né le 29 octobre 1944 à Odalen) est un pianiste norvégien. Son édition intégrale de Grieg a donné lieu à des concerts avec le Royal Philharmonic Orchestra et il a remporté le prestigieux prix MIDEM.

Il a consacré un disque à la musique pour piano d'Agathe Backer Grøndahl. 

On notera au passage la magnifique pochette de l'album qui est un tableau d'Harriet Backer (la sœur d'Agathe) intitulé "Au piano" ("Ved pianoet") de 1894.

J'ai sélectionné le Nocturne extrait de la suite Op. 20.


Voici l'Allegro agitato extrait des trois études Op. 22.



Anne Le Bozec - Grøndahl: 10 Fantasistykker Op. 36



Anne Le Bozec, née le 5 décembre 1975 à Tours, est une pianiste et professeur de musique française, spécialisée dans l'accompagnement de lieder.

Elle a consacré en 2025 un premier album à Agathe Backer Grøndahl intitulé 10 Fantasistykker (Pièces fantastiques).

Voici le No. 3 Vals (valse):



Voici le No. 7 Laendler:



Iceland Symphony Orchestra - Norwegian Classical Favourites



En 2004, l'Iceland Symphony Orchestra, dirigé par Bjarte Engeset, sort un album de musique orchestrale de compositeurs norvégiens tels que Edvard Grieg ou Christian Sinding.

On trouve sur cet album une des très rares œuvres orchestrale de la compositrice. La pièce "Summer Song" extraite des Fantasy Pieces Op. 45.

Voici cette pièce bucolique et raffinée.



Mari Eriksmoen & Alphone Cemin - Grieg Wolf Strauss Grøndahl



On termine cette sélection avec un album du label Alpha.

Alpha présente le récital de Mari Eriksmoen, la soprano norvégienne déjà bien connue des scènes lyriques, plus particulièrement pour ses interprétations des grandes héroïnes mozartiennes qu’elle incarne sous la baguette de rien moins que Nikolaus Harnoncourt ou René Jacobs. 

Pour ce premier récital discographique, Eriksmoen a choisi un programme qui puise en partie dans ses propres racines nordiques avec Grieg et Agathe Backer Grøndahl, dont elle nous fait découvrir quelques lieder (Grøndahl en a écrit quelque deux cents !). 

En guise de « référence », Eriksmoen nous offre également quelques chefs-d’œuvre des maîtres du lied allemand que sont Richard Strauss et Hugo Wolf dans lesquels sa voix pure et lumineuse fait merveille. 

Au piano, elle est accompagnée par Alphonse Cemin, entre autres chef de chant à l’Atelier de l’Opéra de Paris, ainsi qu’à Aix et bien d’autres endroits au monde, où ses grands talents d’accompagnateur sont reconnus. 

Cet album a été enregistré en avril 2015 à l’église Notre-Dame-de-Bon-Secours, Paris.

J'ai sélectionné la mélodie "Mod Kveld" ("Le soir tombe"). Un doux nocturne.



Natalia Strelle - Andante quasi allegretto

Natalia Strelle



Ce morceau n'a malheureusement pas été enregistré sur un album, je ne l'ai trouvé que sous YouTube.

Comme il s'agit d'une très belle interprétation de la pianiste norvégienne d'origine russe Natalia Strelle (également connue sous le nom Natalia Strelchenko), accompagnée par le Minsk Chamber Orchestra dirigé par Ingo Ernst Reil, je vous la propose ci-dessous.









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samedi 18 janvier 2025

Le Rock Progressif des années 2000




Le Rock Progressif des années 2000


Des guitares virtuoses, une batterie percutante et sophistiquée, une basse virevoltante, des nappes de synthétiseurs, mellotrons et autres orgues électroniques, parfois on note la présence d'un violon ou d'une flûte, dans des compositions ambitieuses et des plages parfois très longues… c'est le rock progressif. 

Ce genre a connu ses heures de gloire dans les années 70 avec des groupes comme Genesis, Pink Floyd, Kansas ou Yes. Après avoir connu une résurgence dans les années 80 sous l'appellation néo progressif qu'est-il devenu dans les années 2000 ? 

Bien que ce genre soit devenu quelque peu confidentiel et le domaine réservé des amateurs, il est toujours bien vivace. Les dénominations les plus courantes actuellement sont le new-prog, le post-prog ou encore le crossover prog. 

Ce genre englobe de nombreux groupes de rock alternatif contemporains qui incorporent de nombreux éléments progressifs dans leur musique: approche virtuose, instruments variés, incorporation de musique électronique, influence fréquente du heavy metal, sophistication, les thèmes des chansons sont souvent sociétaux, mais cela n'empêche pas les auteurs de réaliser des concept albums inspirés par la science-fiction ou la fantasy.

J'ai fait une sélection de 200 titres qui me semblent significatifs du rock progressif actuel.

On y retrouve les groupes les plus importants:
  • pour le Royaume-Uni: Arena, Big Big Train, IQ, Marillion, Ozric Tentacles, Porcupine Tree, The Tangent et Van der Graaf Generator, 
  • pour les Pays-Bas: Ayreon (avec Arjen Lucassen) et Kayak, 
  • pour les US: Dream Theater, Glass Hammer et Spock's Beard, 
  • pour le Canada: Rush et Saga,
  • pour l'Allemagne: Eloy et RPWL,
  • enfin pour la Suède, creuset du rock progressif, les groupes Kaipa, Opeth, Pain of Salvation et The Flower Kings.
Et la France dans tout ça ? Elle n'est pas en reste, j'ai créé une playlist spécifique qui est référencée sur la page Le Rock Progressif.

Voici déjà les liens vers la playlist: Rock Progressif des années 2000.

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Voici une vidéo YouTube d'un morceau de la playlist: Big Big Train - Proper Jack Froster.





Vous trouverez ci-dessous d'autres playlists spécifiques.



Progrock 2001-2010



Je vous propose une sélection des meilleurs albums de rock progressif sur la décennie 2001-2010.

Voici les liens vers la playlist.

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Voici une vidéo YouTube d'un morceau de la playlist: Ayreon - The Fifth Extinction.







Progrock 2011-2020



Je vous propose une sélection des meilleurs albums de rock progressif sur la décennie 2011-2020.

Voici les liens vers la playlist.

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Voici une vidéo YouTube d'un morceau de la playlist: Steven Wilson - The Raven That Refused to Sing.




Progrock 2021





Voici une vidéo YouTube d'un morceau de la playlist: Kayak - Out of this World.





Progrock 2022





Voici une vidéo YouTube d'un morceau de la playlist: Ben Craven - Wicked Delights






Progrock 2023




Voici une vidéo YouTube d'un morceau de la playlist: Soft Machine - Careless Eyes






Progrock 2024





Voici une vidéo YouTube d'un morceau de la playlist: Barock Project - Voyager












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vendredi 17 janvier 2025

Pierre Boulez

Pierre Boulez


Pierre Boulez

Pierre Boulez est un compositeur français de la deuxième moitié du XXe siècle. Il a marqué la musique par le développement des musiques sérielles, électroniques et aléatoires. Il a également fondé l'IRCAM et l'ensemble intercontemporain. Sa musique symbolise certainement une vision très intellectuelle de la musique.

En 2025, nous fêtons le centenaire de la naissance de Pierre Boulez (1925-2016). Il est à la fois un des chefs d'orchestre les plus marquants du XXème siècle avec sa direction d'une rectitude impeccable et un compositeur avant-gardiste puisqu'il a joué, à la suite de l'école de Vienne et de Messiaen, un rôle important dans le développement de la musique du XXème siècle.

Il a fait beaucoup pour la diffusion et la compréhension de la musique contemporaine de la seconde moitié du XXème siècle.

Cette musique laisse encore perplexe une grande partie du public (moi y compris) par son manque de mélodie reconnaissable et sa complexité formelle. On peut reconnaître que cette musique, difficile d'accès pour le grand public, s'adresse plutôt à l'intellect qu'aux sentiments, et demande probablement quelques explications préliminaires à l'écoute des œuvres.

Je me rappelle d'ailleurs avec nostalgie de la série Musica sur Arte, où il y eut plusieurs émissions consacrées à la musique contemporaine dans lesquelles un Pierre Boulez très pédagogue nous présentait et nous expliquait de manière claire et didactique les œuvres qui allaient être jouées.

Je vous propose une immersion dans la musique de Pierre Boulez avec une playlist constituée de dix œuvres présentées de manière chronologique.

Voici les liens vers la playlist.

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D'autre part, voici une sélection d'albums et de vidéos YouTube liée à ces dix œuvres.


1946 - Sonatine pour flûte et piano



Voici une œuvre qui, n'ayant pas forcément de mélodie, et laissant une part d'aléatoire, me semble néanmoins très expressive et véhiculant une certaine force qui me permet de la trouver propre à me communiquer des impressions. 

Il s'agit de la sonatine pour flûte et piano, une œuvre courte, tendue, agressive, pleine de vivacité rythmique et d'éclats incisifs. 

En disque, je vous propose la version interprétée par Philippe Bernold et Alexandre Tharaud.

Sous YouTube, la voici interprétée par Sophie Cherrier, flûte et Sébastien Vichard, piano, membres de l'ensemble intercontemporain.



1946 - Première sonate pour piano



Contemporaine de la sonatine pour flûte et piano, cette sonate, créée par Yvette Grimaud, révèle déjà de nombreux aspects de la personnalité de Boulez.

Comme le note Olivier Messiaen: elle est caractérisée par "des sauts brusques avec des coups de pattes et des attaques par en dessous d'un dynamisme électrique absolument extraordinaire."

Les deux mouvements qui composent la partition sont à la fois opposés et complémentaires.

Le premier mouvement est dominé par un tempo lent et présente un contraste entre des résonances harmoniques et des déflagrations brutales, contraste accentué par des fluctuations de vitesse.

Le second mouvement, de tendance générale rapide, installe "une sorte de toccata implacable" (Antoine Goléa).

Toute la nouveauté de l'œuvre apparaît comme une incessante réinterprétation de groupes d'intervalles.

Au disque, j'ai sélectionné la version de Pierre-Laurent Aimard, que l'on retrouve ici sous YouTube.




1954 - Le marteau sans maître



Le Marteau sans maître est joué pour la première fois en Allemagne (à Baden-Baden) en 1955, dirigé par son dédicataire, Hans Rosbaud.

C’est une œuvre très célèbre et on ne peut s’empêcher d’y penser chaque fois que l’on cite Pierre Boulez. Son découpage en neuf parties met en relief les trois poèmes de René Char : L’Artisanat furieux, Bourreaux de solitude et Bel Édifice et les pressentiments.

Les neuf parties de l'œuvre sont les suivantes:
  • I. Avant « L’Artisanat furieux »
  • II. Commentaire I de « Bourreaux de solitude »
  • III. « L’Artisanat furieux » (avec voix)
  • IV. Commentaire II de « Bourreaux de solitude »
  • V. « Bel Édifice et les pressentiments » - version première (avec voix)
  • VI. « Bourreaux de solitude » (avec voix)
  • VII. Après « L’Artisanat furieux »
  • VIII. Commentaire III de « Bourreaux de solitude »
  • IX. « Bel Édifice et les pressentiments » - double (avec voix)
L’accueil du public lors de la première est enthousiaste. En effet, après une période de compositions austères, agressives et exigeantes pour l’auditeur, cette œuvre de Boulez apparaît beaucoup plus abordable par son aspect plus mélodique (la présence de la voix n’y est pas étrangère). 

De plus, la sonorité d’ensemble fait penser à un orchestre de gamelan balinais du fait d’un assemblage inédit d’instruments, dont un xylorimba (qui imite le balafon africain), un vibraphone (qui rappelle le gender balinais), une guitare (qui s’apparente au koto japonais). Boulez réalise dans cette œuvre un enrichissement du vocabulaire sonore européen par l’écoute extra-européenne.

Le Marteau sans maître peut être considéré comme une réponse de Boulez au célèbre compositeur viennois du début XXe siècle, Arnold Schönberg (mort en 1951). 40 ans auparavant, ce dernier avait composé Pierrot lunaire, œuvre écrite pour une voix et ensemble instrumental, constituée de petites pièces dont l’écriture et l’effectif diffèrent à chaque fois, comme dans Le Marteau sans maître.

Les poèmes sont empruntés au poète surréaliste René Char. Boulez cherche à obtenir avec les sons un équivalent des mots et de l’atmosphère surréalistes. Chaque poème est réparti en plusieurs pièces, qui ne comportent pas systématiquement de partie vocale : ce sont alors aux instruments seuls d’exprimer le contenu du texte.

Au disque, j'ai sélectionné la version interprétée par Hilary Summers (mezzo-soprano) et l'Ensemble intercontemporain dirigé par Pierre Boulez.

Sous YouTube, je vous propose la version de l'Orchestre du Domaine Musical dirigé par Pierre Boulez.




1957-1968 - Figures-Doubles-Prismes




Une œuvre de facture classique qui a été remaniée en 1964 et 1968 et dont le contenu a été étendu.

Le style, caractéristique de Boulez, est fait de succession de mesures courtes, parfois brutales (comme des interjections) suivies de phrases longues déployant un groupe instrumental (avec, au concert, une spatialisation).

Le final est un ajout tardif avec une mélodie ample, linéaire, allusion au Concerto de Violon "A la Mémoire d'un Ange" d'Alban Berg.

La partition est écrite pour un orchestre classique, mais Boulez lui a donné une disposition spéciale. Sur les côtés, 4 groupes réunissent des cordes, une harpe et des cuivres, au centre un duo célesta/vibraphone, un duo de deux violons solos, un quatuor de contrebasses, un duo xylophone/harpe, et entre ces différents ensembles, trois groupes de bois.

Je vous propose la version dirigée par Pierre Boulez à la tête du BBC Symphony Orchestra.





1965-1970 - Eclat/Multiples



Peu après la création d'Éclat pour quinze instruments en 1965, Boulez annonce qu'il a l'intention de l'utiliser comme première partie d'une grande composition pour orchestre. 

Concernant sa tendance à réviser et à élargir ses œuvres de cette période, il commente : 

"Sur le plan créatif, je vis dans une sorte de plasma qui me permet de me déplacer en glissant en avant et en arrière. Je reste dans le même esprit et j'irradie dans plusieurs directions à la fois. J'ai maintenant un matériau souple qui me permet de me déplacer dans le temps et ces recréations."

En conséquence, la version étendue d'Éclat, appelée Éclat/Multiples, est devenue une sorte de travail en cours, avec des extensions continues prévues au fil du temps, bien que l'écrivaine Susan Bradshaw ait suggéré que "la taille et la portée presque surhumaines d'un tel projet [le] condamnaient à rester ouvert."

À propos d'Éclat/Multiples, Boulez a remarqué : 

"Les multiples reflets des images musicales originales interfèrent les uns avec les autres et créent des perspectives divergentes, telles que Paul Klee l'imaginait dans certaines de ses peintures."

Une grande partie du contenu dramatique de Multiples vient de l'interaction des matériaux statiques et dynamiques entendus pour la première fois dans Éclat, les deux se disputant désormais la domination. 

De plus, dans Multiples, les dix altos introduisent une teinte plus sombre, et le cor de basset agit comme une sorte d'intermédiaire entre les cordes et les instruments solistes d' Éclat.

Au disque, j'ai sélectionné la version de Pierre Boulez à la tête de l'Ensemble InterContemporain.

Sous YouTube, je vous propose une version d'Eclat dirigée par Simon Rattle à la tête du Berliner Philharmoniker.





1972, puis 1991-1993 - … explosante-fixe...




…explosante-fixe… est conçue à l'origine, en 1971, comme une œuvre à la mémoire d'Igor Stravinsky, décédé en avril de la même année. 

Il existe plusieurs versions différentes et successives de l'œuvre, composées par Boulez entre 1972 et 1993, et culminant dans une pièce mixte pour flûte-MIDI solo et orchestre de chambre.

Le MIDI, ou Musical Instrument Digital Interface, est un protocole de communication et un format de fichier dédiés à la musique, et utilisés pour la communication entre instruments électroniques, contrôleurs, séquenceurs, et logiciels de musique.

Le titre de l'œuvre est une citation extraite de la phrase de conclusion du premier chapitre de L'Amour fou (1937) d'André Breton : "La beauté convulsive sera érotique-voilée, explosante-fixe, magique-circonstancielle, ou ne sera pas."

La première version de …explosante-fixe… (1971-1972) consiste en un morceau aléatoire d'une page en sept parties intitulées Originel et Transitoires II-VII, bien que le manuscrit (dont la publication comporte deux pages de musique et douze pages d'instructions) porte le titre de la main du compositeur [... explosante-fixe ...], et les indications "Originel" et "Transitoires II–VII" sont alors les noms des groupes selon lesquels le morceau est divisé. 

Les sept parties représentent chacune un membre d'une série de sept notes issue de la section "Originel": mi ♭, sol, ré, la ♭ , si ♭, la, mi, qui représente Stravinsky pour lequel elle a été composée (la note mi ♭ , tenue au début, est prononcée Es en notation allemande, qui s'apparente à la lettre « S » pour « Stravinsky »). 

Les hauteurs de cette série seront plus tard réutilisées dans Rituel. 

Dans cette forme d'origine, les instruments ne sont pas indiqués, bien qu'une possible notation pour deux violons, deux flûtes, deux clarinettes et harpe soit suggérée. Comme la plupart des autres pièces en mémoire de Stravinsky, cela reflète l'instrumentation de deux brèves œuvres commémoratives écrites par Stravinsky lui-même en 1959 : l' Epitaphium pour flûte, clarinette et harpe, et le Double Canon (à la mémoire de Raoul Dufy) pour quatuor à cordes.

Les deux années suivantes, Boulez développe ...explosante-fixe... en une œuvre pour flûte solo, accompagnée par un ensemble composé de clarinette, trompette, harpe, vibraphone, violon, alto, violoncelle et électronique. Les représentations de cette version font usage d'un nouveau dispositif récemment créé connu sous le nom de Halaphone.

Ce gadget permet au compositeur d'expérimenter un nouveau type de son, et toutes sortes d'effets ingénieux sont possibles. Par exemple, une flûtiste peut jouer un duo avec elle-même, son son sortant dans différentes parties de la salle avec un timbre différent et même un délai (pour cela, il utilise une chambre d'écho).

La version suivante de ...explosante-fixe..., pour vibraphone et électronique, n'a été composée qu'en 1986. Au cours de cette période, des éléments de la matière d'origine de la pièce apparaissent dans d'autres œuvres de Boulez, spécifiquement Rituel (1975) et Mémoriale (1985).

Entre 1991 et 1993, alors à l'IRCAM, Boulez compose une nouvelle version de ...explosante-fixe..., pour flûte-MIDI solo avec électronique en temps réel, deux flûtes "ombres"  et orchestre de chambre. Cette version a été créée à Turin, en Italie, le 13 septembre 1993, par l'Ensemble intercontemporain.

Au disque, j'ai sélectionné la version de l'Ensemble intercontemporain dirigé par Pierre Boulez avec les artistes : Sophie Cherrier, Emmanuelle Ophèle-Gaubert et Pierre-André Valade à la flûte.

Sous YouTube, je vous propose la version interprétée par Sophie Cherrier et Marion Ralincourt, flûtes, Emmanuelle Ophèle, flûte MIDI, l'Ensemble intercontemporain placé sous la direction de Matthias Pintscher.





1974-1975 - Rituel in Memoriam Bruno Maderna




Rituel in memoriam Bruno Maderna est une œuvre de Pierre Boulez écrite pour ensemble orchestral divisé en huit groupes.

Bruno Maderna, compositeur italien, était un ami de longue date de Pierre Boulez. Ils se connaissaient au moins depuis 1958 puisqu'ils avaient dirigé ensemble deux des trois groupes orchestraux pour l'exécution de Gruppen de Karlheinz Stockhausen. Boulez avait dirigé à plusieurs reprises des œuvres de son ami.

L'œuvre a été écrite peu après la mort de Bruno Maderna, survenue le 13 novembre 1973. Boulez décrit sa partition comme une cérémonie de mémoire, dans lequel il y a de nombreuses répétitions des mêmes formules, avec un profil et une perspective en constant changement.

L'œuvre utilise huit groupes de musiciens (avec à chaque fois, différents instruments), séparés spatialement, en référence à plusieurs partitions de Maderna procédant de même (Quadrivium, 1969). 

Chaque groupe est dirigé par un percussionniste (un neuvième percussionniste étant inclus dans le dernier ensemble), doté d'instruments variés, qui impulse un tempo individualisé, donnant ainsi une indépendance rythmique à chaque ensemble, le tout étant dirigé par le chef d'orchestre. La disposition optimale, d'après Boulez, est de mettre le public au centre des différents groupes.

Boulez fonde essentiellement la structure tonale de Rituel sur un ensemble de sept notes correspondant aux sept lettres du nom « Maderna ».

La création a eu lieu à Londres, le 2 avril 1975. L'orchestre symphonique de la BBC était placé sous la direction du compositeur. Son exécution demande environ un peu moins d'une demi-heure. 

L'œuvre a été enregistrée un an plus tard par les mêmes interprètes et c'est cette version que j'ai choisie.




1981-1988 - Répons



Répons (le s ne se prononce pas) est une œuvre ouverte de musique mixte de Pierre Boulez qui connaît trois versions en 1981, 1982 et 1984.

Commandée par le Südwestfunk de Baden-Baden pour le Festival de Donaueschingen, l'œuvre y fut créée le 18 octobre 1981 sous la direction du compositeur. Par la suite, Boulez l'étendra pour aboutir aux versions ultérieures, selon une pratique qui lui est chère.

Dédiée à Alfred Schlee, elle contient les lettres du nom de Paul Sacher.

Le titre fait référence aux répons de la musique liturgique médiévale chrétienne (le chant grégorien) : comme ici, le chant responsorial présente un dialogue entre jeu individuel et jeu collectif. L'œuvre reprend aussi l'idée de prolifération à partir d'un élément simple (comme lorsqu'on développe une polyphonie sur une teneur grégorienne).

Une disposition originale:
L'exécution de Répons nécessite une disposition des interprètes dans l'espace toute particulière. Un orchestre de chambre est installé sur une scène au centre de la salle de concert, entourée par le public. Sur cette scène, les 24 exécutants de l'orchestre sont divisés en trois groupes séparés : cordes, bois, et cuivres. À l'extérieur du périmètre défini par le public se trouvent les six solistes, placés à intervalles équidistants, en surélévation de l'assistance. L'ensemble est dominé par les six groupes de haut-parleurs d'un système électroacoustique complexe, qui sont placés entre les solistes. Ce système enregistre, transforme, et fait circuler dans la salle le jeu des solistes, le tout en temps réel, et l'ingénieur du son peut être considéré comme le septième soliste de la formation.

Cette disposition fait écho à la pratique de la forme médiévale, où un soliste dialogue avec un chœur à une certaine distance.

La plupart des salles ne permettent pas ou très difficilement un tel aménagement : il faut commencer par ôter les premiers rangs de siège et déplacer la scène. En outre, la partie électroacoustique requiert des machines et des logiciels spécifiques à l'IRCAM, avec ce que cela suppose comme problèmes pratiques (disponibilité, droits...). Le coût de la représentation est donc très élevé par rapport à celui d'une œuvre classique, ce qui explique le faible nombre d'exécutions publiques de Répons, malgré un accueil très favorable du public et de la critique.

Structure de l'œuvre:
Elle se compose d'une introduction, de huit sections et d'une coda.

Formation:
  • Instruments solistes : deux pianos, une harpe, un vibraphone, un glockenspiel et un cymbalum.
  • Ensemble instrumental : deux flûtes, deux hautbois, deux clarinettes et clarinette basse, deux bassons, deux cors, deux trompettes, deux trombones, un tuba, trois violons, deux altos, deux violoncelles et contrebasse. 
  • Un système électro-acoustique pour transformer et spatialiser le son des solistes : un ordinateur et six haut-parleurs.
Au disque, je vous propose la version dirigée par Pierre Boulez à la tête de l'Ensemble InterContemporain.

Sous YouTube, voici la version dirigée par Matthias Pintscher à la tête de l'Ensemble InterContemporain.




1985 - Dialogue de l'ombre double



Dialogue de l'ombre double est une œuvre mixte de Pierre Boulez pour clarinette et dispositif électroacoustique composée en 1985. La pièce est dédiée à Luciano Berio pour son soixantième anniversaire. 

Il existe une version pour basson, pour saxophone, pour flûte traversière et pour flûte à bec, chacune réalisée par l'interprète de l'instrument correspondant.

Dialogue de l'ombre double est inspiré par la scène l'ombre double du Soulier de satin de Paul Claudel.

Le clarinettiste dialogue avec son ombre, représentée par une partie de clarinette pré-enregistrée sur bande magnétique et spatialisée au moyen de haut-parleurs répartis autour du public.

La pièce a été créée le 28 octobre 1985 à Florence par Alain Damiens. La version pour saxophone a été créée le 23 juin 2001 au Théâtre des Bouffes du Nord, par Vincent David. La version pour flûte a été créée en mai 2002 à San Francisco par Cécile Daroux. En 2015, une autre version pour flûte à bec est créée par Erik Bosgraaf.

J'ai sélectionné la version d'Alain Damiens au disque, et sous YouTube celle de Gleb Kanasevich, clarinette et James Praznik, électronique.




1996-1998 - Sur incises





Sur incises est une œuvre de Pierre Boulez pour trois pianos, trois harpes, et trois percussions-claviers, composée entre 1996 et 1998.

Elle est dédiée à Paul Sacher, à l'occasion de son quatre-vingt-dixième anniversaire. Il s'agit d'un commentaire sur Incises, une courte pièce pour piano de Boulez de 1994. La version initiale, d'une douzaine de minutes, a été créée à Bâle, le 27 avril 1996, par le compositeur dirigeant les solistes de l'Ensemble InterContemporain. 

La version développée de 1998, se compose de deux « moments » :
  1. moments I (quatorze minutes),
  2. moments II (vingt-trois minutes environ).
Boulez décompose spectralement par le canevas harpes/percussions la sonorité des 3 pianos. Le chiffre 3 semble avoir été choisi comme compromis, pour éviter les ressemblances avec les deux pianos de la Sonate pour deux pianos et percussion de Béla Bartók et les 4 pianos des Noces de Stravinsky. 

De plus cette combinaison permet, par une répartition très précise de cet effectif sur l’espace scénique, des échanges pianistiques qui confinent à la joute virtuose, ainsi que l'exprime Boulez lui-même: 

« […] cette combinaison présentait encore un autre atout : en attribuant à chaque instrumentiste d'amples cadences – un seul pianiste aurait eu du mal à venir à bout de toute la partie virtuose et les autres se seraient ennuyés –, j'ai pu mettre les trois pianistes en situation de compétition. » 

Le son voyage entre les trois groupes de trois instrumentistes – conduits, chacun, par un piano meneur, accompagné d'une harpe et d'instruments de percussion.

L'œuvre possède des timbres originaux par l'emploi du steel band Antillais, parfois remplacé par une percussion électronique, moins aléatoire.

Le titre est tiré de l'utilisation d'une partie du matériau d'une pièce précédente pour piano solo, "Incises"; presque mathématique, tant les retournements de phrase d'un groupe à l'autre sont audibles, la pièce vise à saturer l'écoute par une profusion d'événements, chaque instrumentiste jouant une partie indépendante, ce qui conduit à une polyphonie luxuriante.

Elle est caractérisée par un lyrisme chatoyant, une grande virtuosité (percussive) avec des trilles vertigineuses, un jeu (au sens de ludique) vraiment jouissif et une couleur à dominante très métallique (impact du steel band, foisonnement des harpes).

En 3 groupes instrumentaux, chaque piano est souligné dans sa résonance par la harpe et la percussion.

En 2 parties enchaînées et contrastées, la première plutôt contemplative, qui joue sur les combinaisons sonores et les résonances mystérieuses comme en suspension, la seconde plus vive, avec des embardées soudaines, plus effrénée et chaloupée, presque fiévreuse, pour finir en revenant sur la résonance jusqu'au silence. 

Au disque, je vous propose la version de Pierre Boulez à la tête de l'Ensemble InterContemporain.

Sous YouTube, voici la version dirigée par Matthias Pintscher à la tête de l'Ensemble InterContemporain.

Les solistes sont:
- Pianos :
Hidéki Nagano, Dimitri Vassilakis, Sébastien Vichard
- Harpes :
Ségolène Brutin, Frédérique Cambreling, Bleuenn Le Friec
- Percussions : 
Gilles Durot, Samuel Favre, Victor Hanna





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